PROJETO CONSCIÊNCIA NEGRA

“Revelando a riqueza da cultura africana é possível combater preconceitos dos brancos e reforçar a auto-estima dos negros”.

IDENTIFICAÇÃO DO PROJETO:

TEMA: CULTURA AFRO

TEMPO DE EXECUÇÃO: 20 DIAS .

CULMINÂNCIA: DIA 20 DE NOVEMBRO –DIA NACIONAL DA CONSCIÊNCIA NEGRA.

CARACTERÍSTICA: PROJETO INTERDISCIPLINAR, ENVOLVENDO MATEMÁTICA, ARTES E EDUCAÇÃO FISÍCA.

DIREÇÃO:

• Cecília Welter Ledesma.

COORDENAÇÃO PEDAGOGICA:

• Adelir Terezinha Haveroth
• Adauto Teixeira
• Sueli Pacheco

PROFESSORES REGENTES:

• Luzia de Fátima Layola Nunes
• E-mail: luzzia_layola@hotmail.com
• Blog: http://llayolartes.blogspot.com/

• Marcelo Antonio Moreira
• E-mail:

• Rosana Montovani
• E-mail: rosana.mantovani@uol.com

PROFESSORES COLABORADORES:

• Jackson Rodrigo Morais de souza.
• Email: smrj1@hotmail.comBlog:
• http://jacckson.blogspot.com/

• Maria Lúcia da Silva
• E-mail:
• Blog:

• Maurício Passos
• E-mail:
• Blog:

PROFESSORES DA STE:

• · JOICENIR SOVERNIGO LOPESEMAIL:
• joicelopes_17@hotmail.comBLOG:
• http://artes-13.blogspot.com/

• · HECTOR ROGÉRIO MONZANI.EMAIL:
• hector@top.com.brBLOG:
• http://hectormonzani.blogspot.com/
• · REGIANI R. HOFFMANN
• EMAIL:regiani.r.hoffmann@hotmail.comBLOG:
• http://regianirock.blogspot.com/

CONTEÚDO FOCO:

O projeto tem por objetivo favorecer o desenvolvimento da expressão corporal, oral e cultural dos alunos, através de momentos de interpretação (monólogos), coreografias, músicas, Capoeira, poesias e a valorização estética negra, para a ampliação dos conhecimentos e formação de hábitos e atitudes fundamentais nos valores éticos. Propõe-se, ainda, dar a conhecer, através de demonstrações culturais e de atividades teatrais e de interpretação alguns aspectos importantes do contexto da escravidão negra, ressaltando os valores que impulsionaram e orientaram a sua vida e a formação de sua identidade. Com este conhecimento, vivenciar e valorizar a cultura negra através da música e da pintura como forma de identificação e resgate da auto-estima do aluno afro-descendente. Através de atividades artísticas, busca-se desenvolver ações transformadoras, projetando o respeito como prática fundamental e essencial para mudar as pessoas e, conseqüentemente, a sociedade.O conteúdo foco é a educação voltada para consciência da importância do negro para a constituição e identidade da nação brasileira e principalmente, do respeito à diversidade humana e a abominação do racismo e do preconceito, desenvolvendo por meio de um processo educativo do debate, do entorno, buscando nas nossas próprias raízes a herança biológica e/ou cultural trazida pela influência africana. Inicialmente, será conduzido pela simples observação de fotos de revistas sobre algumas coisas que fazem parte da cultura africana (comidas, danças, vestimentas, etc.);estabelecendo a seguir um vínculo entre as curiosidades que surgirem dos alunos sobre o tema e a instigação provocada pelo professor no intuito de ir avançando no conhecimento sobre o assunto.

SÉRIE A QUE SE DESTINA:

Este projeto se destina ao Ensino fundamental, Médio e EJA do período Matutino, Vespertino e Noturno.

JUSTIFICATIVA:

Comemorar o 20 de novembro – Dia da Consciência negra, dedicando o mês de novembro, para debater e refletir sobre as diferenças raciais e a importância de cada um no processo de construção de nosso país, estado e comunidade. Com este trabalho esperamos que a consciência de valorização do ser humano ultrapasse as fronteiras da violência, do preconceito e do racismo.A elaboração e desenvolvimento desse projeto de arte e cultura negra visam a atender dois pré-requisitos básicos: o exercício da cidadania e vivência dos valores através da apropriação da arte e da cultura, como ferramentas necessárias para estar num mundo formado por sociedades que usam o preconceito como instrumento das esferas de diferenças sociais e, ainda, o resgate da herança africana, cuja história fora esquecida e ignorada ao longo do tempo.Com este trabalho esperamos que a consciência de valorização do ser humano ultrapasse as fronteiras da violência, do preconceito e do racismo.

OBJETIVOS:

· Valorizar a cultura negra e seus afro-descendentes e afro-brasileiros, na escola e na sociedade Iguatemiense.· Entender e valorizar a identidade da criança negra;· Redescobrir a cultura negra, embranquecida pelo tempo;· Desmistificar o preconceito relativo aos costumes religiosos provindos da cultura africana;· Trazer à tona, discussões provocantes, por meio das rodas de conversa, para um posicionamento mais crítico frente à realidade social em que vivemos.

DESENVOLVIMENTO:

O desenvolvimento do projeto estará em consonância com os blocos temáticos citados e será feito de acordo com as necessidades da turma e a realidade local, estabelecendo o problema e a proposta de conteúdo para a classe. O tema será desenvolvido na sala de aula por meio de atividades para a sua exploração, sistematização e para a conclusão dos trabalhos. Os alunos devem fazer observações diretas no entorno familiar, observações indiretas em ilustrações e/ou vídeos, experimentações e leituras.

ATIVIDADES:

· Confecção de um grande livro “Menina bonita do laço de fita” de Maria Helena Machado;
· Estar em contato com músicas da cultura africana como o samba, a batucada, capoeira;
· Produção em artes com pintura em giz de cera e papel panamá com o tema áfrica;
· Produção de poesias;
· Vídeo com negros de nossa cidade;
· Vídeo com crianças negras da Escola;
· Teatralidade interpretativa de textos da cultura africana;
· Realização de um desfile para escolha da Beleza Negra da Escola;
· Coreografias fundamentadas nas raízes negras;
· Trabalhando a geometria nos desenhos africanos.

FECHAMENTO DO PROJETO:

· Abertura da Semana da Consciência Negra no dia 16/11 com encerramento no dia 20/11, com a presença de autoridades locais.
· Exposição na Escola das telas Africanas pintadas pelos alunos;
· Apresentação de danças;
· Apresentação de capoeira com alunos da Escola Municipal Tancredo Neves;
· Declamação de poesias;
· Teatros;
· Apresentação dos vídeos, O Negro em Iguatemi e Crianças Negras e nossa Escola;
· Exposição das Telas em vários pontos da cidade, como nos Bancos, correios, lojas, etc.

AVALIAÇÃO:

A avaliação acontecerá em qualquer momento do processo educativo, de forma contínua e diagnóstica; com a intenção primordial de rever a própria prática docente criando novas possibilidades para estimular os alunos a desenvolverem-se suas potencialidades levando em conta, principalmente, os avanços individuais dentro da coletividade e a participação no desenvolvimento de todas as atividades (de acordo com as peculiaridades de cada aluno) no decorrer do projeto.

CONSIDERAÇÕES FINAIS:

O projeto CONSCIÊNCIA NEGRA E AS MANIFESTAÇÕES AFRICANAS, tem como finalidade principal a tentativa de despertar o educando e a sociedade para um fato do cotidiano que é a discriminação racial e que sempre é ignorado como se não existisse. Envolver crianças, adolescentes, jovens e adultos nesse tema requer um aspecto motivador, o qual está relacionado com a copa 2010 na África do Sul, surgindo assim o interesse maior pela cultura e tipo de vida dos nossos descendentes. Portanto esperamos que todos ao final do projeto tenham essa consciência: “NÃO SE SINTA SUPERIOR AOS SEUS IGUAIS”.

 

MENINA BONITA DO LAÇO DE FITA.

LIVRO CONFECCIONADO PELOS MEUS ALUNOS DO 4º ANO A- VESPERTINO

 

RESUMO 9º ANO

RESUMO DO 9º ANO

OP-ART
Op art é um termo usado para descrever a arte que explora a falibilidade do olho e pelo uso de ilusões ópticas.A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". Apesar do rigor com que é construída, simboliza um mundo mutável e instável, que não se mantém nunca o mesmo.Os trabalhos de op art são em geral abstratos, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem inchar ou deformar-se.
Pop Art, movimento que usava figuras e ícones populares como tema de suas pinturas, conhecida como Arte Popular.
Tendência das artes plásticas que surge em meados da década de 50, no Reino Unido, vinculada a intelectuais do Instituto de Arte Contemporânea de Londres. Influenciada, de início, por artistas ligados ao dadá e ao surrealismo, a pop art ganha força nos anos 60 nos Estados Unidos (EUA), com repercussão internacional. Explora elementos da cultura de massa e da sociedade de consumo. Robert Rauschenberg (1925), um dos precursores da pop art nos EUA, inclui, por exemplo, uma placa de carro em sua obra Mercado Negro (1961). A linguagem da publicidade e da televisão, os quadrinhos, as embalagens industrializadas, a fotografia, os ídolos populares, os produtos descartáveis e o fast food são a base das criações. Colagens e repetição de imagens em série são características das obras. Em reação ao subjetivismo da abstração, a pop art é uma arte engajada, que pretende fazer um comentário irônico e cínico do mundo capitalista e de seu modo de produção. Ao levar para o universo artístico materiais que fazem parte do cotidiano nas grandes cidades, deseja romper as barreiras entre a arte e o dia-a-dia. Embora, literalmente, pop art signifique arte popular, não há aí referência à produção criativa do povo, mas sim à produção para a massa, o que confere à obra um caráter de produto de consumo. São marcos famosos da pop art os trabalhos de Andy Warhol em serigrafia sobre tela de embalagens de sopa em lata Campbells (1965) e de garrafas de Cola-Cola (1962). Em 1967, ele se apropria da imagem da atriz norte-americana Marilyn Monroe e a reproduz em seqüência, sobre a qual aplica várias combinações de cores. Ao retratar Marilyn com a mesma lógica com que retrata a lata de sopa, Warhol quer mostrar que, em uma sociedade de massa, o mito é tão descartável quanto uma lata. Um dos desdobramentos da pop art nos EUA é o hiper-realismo, que se propõe a reproduzir em pinturas e esculturas cenas do cotidiano com a maior fidelidade possível. As obras, em geral em cores vibrantes e tamanhos enormes, exibem automóveis, paisagens urbanas e anúncios publicitários.

XILOGRAVURA
A xilogravura originou-se na China, sendo conhecida desde o século VIII. No oriente, ela já se afirma durante a Idade Medieval. No século XVI duas inovações revolucionaram a xilogravura. A chegada à África das gravuras Européias a cores, que tiveram grande influência sobre as artes do século XX, e a técnica da gravura de topo criada por Thomas Bewick.
No final do século XVII Juliana Gularte teve a idéia de usar uma madeira mais dura como matriz e marcar os desenhos com o buril, instrumento usado para gravura em metal e que dava uma maior definição ao traço. Dessa maneira Bewick diminuiu os custos de produção de livros ilustrados e abriu caminho para a produção em massa caseira de imagens pictóricas. Mas com a invenção de processadores de impressão a partir da fotografia a xilogravura passa a ser considerada uma técnica atualizada. Atualmente ela é mais utilizada nas artes plásticas e no artesanato do nordeste do país.
Xilogravura popular brasileira
A xilogravura popular é uma permanência do traço medieval da cultura portuguesa transplantada para o Brasil e que se desenvolveu na literatura de cordel. Quase todos os xilogravadores populares brasileiros, principalmente no Nordeste do país, provêm do cordel. Entre os mais importantes presentes no acervo da Galeria Brasiliana estão Abraão Batista, seu filho Hamurabi Batista, José Costa Leite, Forró de Varanda, J. Borges, José Lourenço , Gilvan Samico , Severino Borgese Felipe Mendes .
Marcello Grassmann (São Simão, interior de São Paulo, 1925) é um desenhista e gravador brasileiro.Pretendeu de início ser escultor, cursando entalhe em madeira na Escola Técnica Getúlio Vargas. Passou em seguida para a xilogravura e foi nesse novo rumo que se realizou, conquistando em 1955, na III Bienal de São Paulo, o premio de Melhor Gravador Nacional.Foi influenciado pelo gravador austráco Alfred Kubin e pelos gravadores brasileiros Oswaldo Goeldi-este premiado na I Bienal de S.Paulo e Livio Abramo-premiado na II Bienal. Sofreu influência do expressionismo alemão mas sua personalidade forte cunhou nitidamente um estilo próprio.

RESUMO 8º ANO

RESUMO PARA AVALIAÇÃO 8º ANO

O BARROCO NO BRASIL


O barroco, no Brasil, foi introduzido no início do século XVII pelos missionários católicos, especialmente jesuítas, que trouxeram o novo estilo como instrumento de doutrinação cristã. O poema épico Prosopopéia (1601), de Bento Teixeira, é um dos seus marcos iniciais. Atingiu o seu apogeu na literatura com o poeta Gregório de Matos e com o orador sacro Padre Antônio Vieira, e nas artes plásticas seus maiores expoentes foram Aleijadinho, na escultura, e Mestre Ataíde, na pintura Tinha como objetivo as igrejas com estilo barroco, o estado onde se encontra o maior nunero delas é Minas Gerais.
Exemplos são a Basílica de Nossa Senhora do Carmo e a Igreja de Santo Antônio, em Recife, e em Salvador a Igreja de Nossa Senhora do Rosário dos Pretos. Em Minas, a Matriz de Nossa Senhora da Conceição e a Matriz de Nossa Senhora do Pilar, em Ouro Preto, e a Igreja de São Pedro dos Clérigos de Mariana..
Antônio Francisco Lisboa, nosso Aleijadinho, tinha esse apelido devido a uma doença degenerativa que provoca a perda dos membros – discute-se se sífilis, lepra, tromboangeíte obliterante ou ulceração gangrenosa das mãos e dos pés. Nasceu na antiga Vila Rica (atual Ouro Preto), Minas Gerais, filho de um arquiteto português, Manuel Francisco Lisboa, e de uma escrava de quem se sabe apenas o primeiro nome: Isabel.

MISSÃO ARTISTICA FRANCESA.
, A convite da Corte portuguesa, DOM JOÃO VI, veio ao Rio a Missão Artística Francesa, chefiada por Joaquim Lebreton, e composta por um grupo de artistas plásticos. Dela faziam parte os pintores Jean-Baptiste Debret e Nicolas Antoine Taunay, os escultores Auguste Marie Taunay, Marc e Zéphirin Ferrez e o arquiteto Grandjean de Montigny. Esse grupo organizou, a partir de agosto de 1816, a Escola Real das Ciências, Artes e Ofícios, transformada, em 1826, na
Imperial Academia e Escola de Belas-Artes. Durante os cinco anos em que aqui permaneceu Taunay, o pintor, produziu cerca de trinta paisagens do Rio de Janeiro e regiões próximas. Entre elas está "Morro de Santo Antônio em 1816", que compõe o acervo do Museu Nacional de Belas-Artes do Rio de Janeiro. Debret, por sua vez, realizou no Brasil uma imensa obra . Fez vários retratos da família real, aquarelas e desenhos sobre o cotidiano da cidade, retratando as atividades dos escravos, dos grupos indígenas e, também, sobre os fatos da vida da Corte. Pintou cenários para o Teatro São João (atual João Caetano) e realizou trabalhos de ornamentação da cidade do Rio de Janeiro, para festas públicas e oficiais, como a aclamação do rei D. João VI. Além disso, foi professor de pintura histórica na Academia de Belas-Artes criada por D. João, tendo permanecido no Brasil durante quinze anos. Um de seus trabalhos mais conhecidos é o livro " Viagem Pitoresca e Histórica ao Brasil," publicado em três volumes. Nele Debret assim retrata o mulato brasileiro:
ACADEMIA DE BELAS ARTESFoi fundada por João VI de Portugal (1816-1826), em 12 de agosto de 1816, da Escola Real de Ciências, Artes e Ofícios. O soberano teria sido influenciado, nesse gesto, por António de Araújo e Azevedo, o 1.º conde da Barca. O Primeiro ReinadoApós a Independência do Brasil, em 1822, a escola passou a ser conhecida como Academia Imperial das Belas Artes e, mais tarde, como Academia Imperial de Belas Artes.A instituição foi definitivamente instalada em 5 de novembro de 1826, em edifício próprio à altura da Travessa do Sacramento (atual Avenida Passos), inaugurado por Pedro I do Brasil (1822-1831).A partir de então frutificaram os esforços dos mestres franceses, destacando-se os nomes de diversos artistas entre os discípulos nela matriculados, como por exemplo Manuel de Araújo Porto-alegre, Honório Esteves, José de Cristo Moreira, Francisco de Sousa Lobo, José dos Reis Carvalho, José da Silva Arruda, Afonso Falcoz, João Clímaco Alves da Cunha, Augusto César de Paula Goulart, José Correia de Lima, Joaquim Lopes de Barros Cabral, Domingos José Gonçalves de Magalhães, Carlos Luís do Nascimento, Guilherme Müller, Augusto Müller, Tito Alves de Brito, Vasco José da Costa, Costa Miranda, Manuel Antônio Gonçalves Vilela, Manuel Joaquim de Melo Corte Real, Jacó Valdomiro Petra de Barros e outros.O quadro Independência ou Morte, de Pedro Américo, também conhecido como Grito do Ipiranga, é o principal símbolo da proclamação da Independência do Brasil, que é comemorada em 7 de setembro. A imagem, no entanto, não é exatamente uma fotografia do momento em que D. Pedro 1º recebeu a carta que o deixou irado e o levou a pronunciar a famosa frase: “Independência ou Morte”.Enquanto a independência do Brasil foi proclamada em 1822, Pedro Américo só foi terminar de pintar o quadro em 1888, em Florença, na Itália. A obra foi encomendada pela Família Real, que investia na construção do Museu do Ipiranga, hoje oficialmente chamado Museu Paulista, que fica em São Paulo (SP). A idéia era ressaltar a monarquia - que já estava cambaleando e caiu em 15 de novembro de 1889, com a Proclamação da República. Pedro Américo era um pintor histórico, que foi autor de outras obras com o mesmo cunho, como Batalha do Avaí, que retrata um dos eventos da Guerra do Paraguai. Também nesse caso, ele não estava presente. Assim, o Grito do Ipiranga é um quadro simbólico como várias outras pinturas históricas espalhadas pelo mundo.
MOVIMENTO ARTISTICO DO SECULO XX
O EXPRESSIONISMO, CUBISMO, DADAISMO, FUTURISMO, FAUVISMO, ABSTRACIONISMO E SURREALISMO, FAZEM PARTE DE MOVIMENTO ARTISTICO.
O Dadaísmo é caracterizado pela oposição a qualquer tipo de equilíbrio, pela combinação de pessimismo irônico e ingenuidade radical, pelo ceticismo absoluto e improvisação. Enfatizou o ilógico e o absurdo. Entretanto, apesar da aparente falta de sentido, o movimento protestava contra a loucura da guerra. Assim, sua principal estratégia era mesmo denunciar e escandalizar.
O Surrealismo foi um movimento artístico e literário surgido primariamente em Paris dos anos 20, inserido no contexto das vanguardas que viriam a definir o modernismo, reunindo artistas anteriormente ligados ao Dadaísmo e posteriormente expandido para outros países. Fortemente influenciado pelas teorias psicanalíticas de Sigmund Freud (1856-1939), o surrealismo enfatiza o papel do inconsciente na atividade criativa. Seus representantes mais conhecidos são Max Ernst, René Magritte e Salvador Dalí no campo das artes plásticas, André Breton na literatura e Luis Buñuel no cinema.
As características deste estilo: uma combinação do representativo, do abstrato, e do psicológico. Segundo os surrealistas, a arte deve se libertar das exigências da lógica e da razão e ir além da consciência cotidiana, expressando o inconsciente e os sonhos. O principal teórico e líder do movimento é o poeta, escritor e crítico francês André Breton (1896-1966), que em 1924 publica o primeiro Manifesto Surrealista.
Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech nasceu em 11 de maio de 1904, na cidade espanhola de Figueres (Catalunha). Foi um dos mais importantes artistas plásticos (pintor e escultor) surrealistas da Espanha.

A Persistência da Memória

Em 1931, Dalí pintou uma de suas mais famosas obras, A Persistência da Memória.[37] Às vezes chamada de "Relógios fundidos", o trabalho apresenta o surrealista imagem da fusão de um relógio de bolso. A interpretação geral do trabalho é a de que o relógio é, incansavelmente, o pressuposto de que o tempo é rígido ou determinista, e neste sentido é apoiado por outras imagens, no trabalho, tais como a vasta expansão da paisagem e de formigas a voar a devorar os outros relógios.[25]
As duas maiores colecções de trabalhos de Dalí são o museu Salvador Dalí em Saint Petersbourg, Florida, EUA, e o Teatro-Museo Salvador Dalí em Figueres, Catalunha, Espanha.
Dalí foi um artista versátil, e não limitou-se apenas a pintura artística. Algumas de suas obras artísticas mais populares são esculturas e outros objetos, e ele também é conhecido pelas suas contribuições ao teatro, moda, fotografia, entre outras áreas.
O Cubismo é um movimento artístico que ocorreu entre 1907 e 1914, tendo como principais fundadores Pablo Picasso e Georges Braque.O Cubismo tratava as formas da natureza por meio de figuras geométricas, representando todas as partes de um objeto no mesmo plano. A representação do mundo passava a não ter nenhum compromisso com a aparência real das coisas.O cubismo demonstra os objectos como são representados no nosso pensamento. Um pintor cubista retrata o que existe de forma diferente do que nós vemos. O cubismo tem três características principais:1.Demonstra os objectos escolhidos em cubos.2.Descreve as naturezas morta com poucas cores fazendo contraste o claro e o escuro com sombra muito carregadas.3. Não e utilizada a perspectiva, os desenho dominado por figuras geométricas são sobrepostos.Esta arte teve uma grande influência de Cézanne, também se relaciona com as teorias de Einstein, concluiu que é impossível determinar um movimento. Um objecto pode estar parado ou em movimento dependendo da perspectiva em que esta a ser desenhado.
O expressionismo foi um movimento cultural de vanguarda surgido na Alemanha nos primórdios do século XX, que estavam mais interessados na interiorização da criação artística do que em sua exteriorização, projetando na obra de arte uma reflexão individual e subjetiva.O expressionismo plasmou-se num grande número de campos: artes plásticas, literatura, música, cinema, teatro, dança, fotografia, etc. A sua primeira manifestação foi no terreno da pintura, ao mesmo tempo que o fauvismo francês, fato que tornaria ambos movimentos artísticos nos primeiros expoentes das chamadas "vanguardas históricas". Mais que um estilo com características próprias comuns foi um movimento heterogêneo, uma atitude e uma forma de entender a arte que aglutinou diversos artistas de tendências diversas e diferente formação e nível intelectual. Surgido como reação ao impressionismo, frente ao naturalismo e o caráter positivista deste movimento de finais do século XIX os expressionistas defendiam uma arte mais pessoal e intuitiva.

RESUMO 7º ANO

RESUMO 7º ANO

RENACIMENTO ITALIANO
Roma: e outras tantas, distanciadas do Gótico, vêm a lume. Renascença Italiana é como ficou conhecida a fase de abertura da Renascimento (ou Renascença), um período de grandes mudanças e conquistas culturais que ocorreram na Europa, entre o século XIV e o século XVI. Este período marca a transição entre a Idade Média e a Idade Moderna[1].A referência inicial é a região da Toscana[2], centrado nas cidades de Florença e Siena. Espalhou-se depois para o sul, tendo um impacto muito significativo sobre Roma, que foi praticamente reconstruída, em sua maior parte, sob a tutela dos Sumo Pontífices da Igreja Católica Romana que ocuparam a Cátedra de São Pedro no período, especialmente Sisto IV.
Foi um momento de grandes realizações culturais, do aparecimento de nomes como: Petrarca, Baldassare Castiglione e Maquiavel na literatura; Leonardo da Vinci (O GRANDE GENIO DA PINTURA), Botticelli, Michelangelo, Rafael e Pablo ucello toda uma gama imensa de grandes mestres nas artes plásticas. Um período de grandes realizações arquitetônicas: do domo de igreja de Santa Maria del Fiore, de Brunelleschi em Florença e a Basílica de São Pedro .
Renascimento na Alemanha e nos Países Baixos
Fora da Itália foi a pintura entre as artes plásticas que melhor refletiu a nacionalização do espírito humanista. Artistas
como Dürer, Hans Holbein, Bosch e Bruegel fizeram uma espécie de conciliação entre o gótico e a nova pintura italiana que
resultava de uma interpretação científica da realidade.
Hieronymus Bosch (1450 – 1516) dono de um estilo inconfundível. Sua pintura mistura símbolos de astrologia, de
alquimia e magia conhecidos no final da Id. Média. Nem tudo em suas telas pode ser decifrado, pois Bosch cria formas
que estão presentes apenas nos sonhos e delírios.
Alguns críticos vêem em sua pintura a representação do conflito que inquietava o espírito do homem do final da Id.
Média: o sentimento do pecado ligado aos prazeres materiais de um lado, e do outro a busca das virtudes de uma vida
ascética (devoto, místico, contemplativo). Além do forte misticismo que se espalhou entre as pessoas mais simples da
Europa fortalecendo crenças em manifestações diabólicas e superstições. Bosch descreve um pesadelo próprio dos que viviam
aterrorizados pelo medo do inferno.
Albrecht Dürer (1471 – 1528) revelou seu talento desde cedo, da Alemanha onde iniciou seus estudos e seguindo
para a Itália em busca de aperfeiçoamento. Durante suas viagens retratou em aquarela os mais variados lugares dos
vales alpinos, nos retratos registrava além dos traços físicos e da posição social um pouco do caráter do retratado.
Considerado o primeiro artista alemão a conceber a arte como uma representação fiel da realidade.
Hans Hobein (1498 – 1543) famoso por retratar personalidades políticas, financeiras e intelectuais da Inglaterra e
dos Países Baixos. Em seus retratos há uma série de objetos que mostravam a personalidade e o poder econômico da pessoa retratata, supondo em suas obras um realismo tranqüilo.

BARROCO
O Barroco surgiu na Itália, aproveitando-se de alguns elementos renascentistas e transformando-os. O renascimento italiano influenciou sobremaneira a arte posterior. Costuma-se dizer que vivíamos o estilo renascentista de construção, por exemplo, quase até o Século 20, com a entrada em cena do modernismo. O barroco também se inspira, em certo sentido, na arquitetura clássica. Mas recebe esse nome pelos críticos do período (com o significado de grotesco) exatamente por não respeitar as combinações e a utilização dos gregos e romanos. Apesar de utilizar-se de formas naturalistas, não se pode dizer que seja uma mera continuação do renascimento.
A Pintura Barroca na Itália De um modo geral, a pintura barroca pode ser resumida em alguns pontos principais. O primeiro é a disposição dos elementos dos quadros, que sempre forma uma composição em diagonal. Além disso, as cenas são envolvidas em acentuado contraste de claro- escuro, intensificando a expressão de sentimentos. E se a pintura barroca é realista, essa realidade não é só a vida de reis e nobres, mas também a do povo simples. Dentre os pintores italianos desse período, quatro são os mais expressivos; Michelangelo, o verdadeiro precursor do barroco, ainda dentro do Renascimento. Seu trabalho na Capela Sistina já prediz o que seria o barroco. Ele lançou as bases da pintura barroca, seu estilo e suas tendências. O Segundo foi Tintoretto, o mestre do Maneirismo que, com o passar dos anos, enveredou pelo barroco, encontrando nesse estilo o campo fértil para seu talento. Tintoretto determinou aqui duas características bem marcantes: os corpos das figuras são mais expressivos do que seus rostos e a luz e a cor têm grande intensidade. Tintoretto (Jacopo Robusti, 1518 – 1594) –
O Mestre Filho de um Tintureiro Pintor italiano de Veneza, cujo apelido, Tintoretto, deriva da profissão de seu pai, um tintureiro. Foi na tinturaria do pai que o jovem pintor começou a experimentar cores e tons, ainda sobre tecidos velhos e manchados. Produziu uma grande quantidade de obras para a Igreja, além de cenas mitológicas e retratos. Foi um desenhista formidável que se destacou por empregar em suas telas vívidos exageros de luz e movimento. Já velho e milionário, resolveu ensinar sua arte a jovens discípulos, fundando sua própria escola de arte, atitude incomum para a época. Caravaggio (1573 – 1610) – O Uso Revolucionário da Luz Caravaggio não se interessou pela beleza clássica que encantou o Renascimento. Procurava seus modelos entre pessoas do povo. O que melhor caracteriza a pintura de Caravaggio é essa atitude de retratar os temas sagrados como um acontecimento atual entre pessoas humildes; as figuras bíblicas assemelham- se a trabalhadores comuns, com fisionomias curtidas pelo tempo. E mais que isso, a forma revolucionária como ele usava a luz. Ela não aparece como reflexo da luz solar, mas é criada intencionalmente pelo artista para dirigir a atenção do observador. Isso foi tão fundamental na sua obra, que ele é conhecido como fundador do estilo Iluminista. Andrea Pozzo (1642 – 1709) – Os Tetos das Igrejas Abrem-se para o Céu A pintura barroca desenvolveu-se também nos tetos de igrejas e de palácios. Essa pintura, decorativa, marcou o trabalho de Pozzo, que ao pintar os interiores e teto das igrejas, impressionava pelo número de figuras e pela ilusão – criada pela perspectiva – de que as paredes e colunas da igreja continuam no teto, e que este se abre para o céu, de onde anjos e santos convidam o homem para a santidade.
Maneirismo foi um estilo e um movimento artístico que se desenvolveu na Europa aproximadamente entre 1515 e 1600 [1] como uma revisão dos valores clássicos e naturalistas prestigiados pelo Humanismo renascentista e cristalizados na Alta Renascença. O Maneirismo é mais estudado em suas manifestações na pintura, escultura e arquitetura da Itália, onde se originou, mas teve impacto também sobre as outras artes e influenciou a cultura de praticamente todas as nações européias, deixando traços até nas suas colônias da América e no Oriente. Tem um perfil de difícil definição, mas em linhas gerais caracterizou-se pela deliberada sofisticação intelectualista, pela valorização da originalidade e das interpretações individuais, pelo dinamismo e complexidade de suas formas, e pelo artificialismo no tratamento dos seus temas, a fim de se conseguir maior emoção, elegância, poder ou tensão. É marcado pela contradição e o conflito e assumiu na vasta área em que se manifestou variadas feiçõe

RESUMO PARA AVALIAÇÃO 6º ANO

RESUMO DO 6º ANO

A cor é uma percepção visual provocada pela ação de um feixe de fotons sobre células especializadas da retina, que transmitem através de informação pré-processada no nervo óptico, impressões para o sistema nervoso.
A cor de um material é determinada pelas médias de frequência dos pacotes de onda que as suas moléculas constituintes refletem. Um objeto terá determinada cor se não absorver justamente os raios correspondentes à frequência daquela cor.Assim, um objeto é vermelho se absorve preferencialmente as frequências fora do vermelho.A cor é relacionada com os diferentes comprimento de onda do espectro eletromagnético. São percebidas pelas pessoas, em faixa específica (zona do visível), e por alguns animais através dos órgaos de visão, como uma sensação que nos permite diferenciar os objetos do espaço com maior precisão.Considerando as cores como luz, a cor branca resulta da sobreposição de todas as cores, enquanto o preto é a ausência de luz. Uma luz branca pode ser decomposta em todas as cores (o espectro) por meio de um prisma Na natureza, esta decomposição origina um arco-íris
Uma cor primária é uma cor que não pode ser decomposta em outras cores. Essas cores são misturadas entre si para produzir as demais cores do espectro. Quando duas cores primárias são misturadas, produz-se o que se conhece como cor secundária, e ao se misturar uma cor secundária com uma primária surge uma cor terciária.Tradicionalmente, o vermelho, o azul e o amarelo são tratadas como as cores primárias nas artes Cores secundárias são as cores que se formam pela mistura de duas cores primárias, em partes iguais.
No início, a teoria dos pigmentos era restrita à pintura. Os antigos pintores já faziam misturas antes da moderna ciência das cores, e as tintas usadas até então eram poucas. No sistema RYB, que emprega a teoria das cores de Leonardo da Vinci, as cores secundárias são:
Verde - formado por azul e amarelo
Laranja - formado por amarelo e vermelho
Violeta (ou púrpura) - formado por azul e vermelho
Cor terciária é uma cor composta por uma cor primária e uma cor secundária. São ao todo seis cores, a saber:
Laranja = vermelho + amarelo
Oliva = verde + amarelo
Turquesa = verde + ciano
Celeste = azul + ciano
Violeta = azul + magenta
Cor de rosa = vermelho + magenta
CORES NEUTRAS . Na ciência das cores, duas cores são chamadas complementares se, quando misturadas, produzem o preto, o branco ou alguma graduação de cinza. Nos sistemas de cores mais perceptíveis, o branco está no centro do espectro e as cores complementares se situam uma ao lado oposto da outra. O exemplo mais claro é o sistema HSV, no qual as cores complementares estão em lados opostos no disco de cores.
MONOCROMIA - Radiação (ou luz) monocromática é a radiação produzida por apenas uma cor (em rigor, de apenas um comprimento de onda). O termo "monocromático" não é empregado para o preto (ausência de cor/luz) ou o branco (soma de todas as cores).
POLICROMIA – Policromia é o emprego de muitas cores num mesmo trabalho, formando um tom agradével (harmônico).
História Da Arte
As artes plásticas surgem na pré-história. Existem diversos exemplos da pintura rupestre em cavernas habitadas por humanos. Até os dias atuais há sempre uma necessidade de expressão artística utilizando novos meios. É nas artes plásticas que encontramos o uso De novos meios para a criação e apreciação estética. A Pré-história foi dividida em dois período: Período Paleolitico e Período Neolítico.
ARTE EGIPCIA
As artes no Egito Antigo estavam muito relacionadas com a vida religiosa. A maioria das estátuas, pinturas, monumentos e obras arquitetônicas estavam ligados, direta ou indiretamente, aos temas religiosos.
Pintura EgípciaGrande parte das pinturas eram feitas nas paredes das pirâmides. Estas obras retratavam a vida dos faraós, as ações dos deuses, a vida após a morte entre outros temas da vida religiosa. Estes desenhos eram feitos de maneira que as figuras eram mostradas de perfil. Os egípcios não trabalhavam com a técnica da perspectiva (imagens tridimensionais). Os desenhos eram acompanhados de textos, feitos em escrita hieroglífica (as palavras e expressões eram representadas por desenhos). As tintas eram obtidas na natureza (pó de minérios, substâncias orgânicas, etc). Escultura EgípciaNas tumbas de diversos faraós foram encontradas diversas esculturas do ouro. Os artistas egípcios conheciam muito bem as técnicas de trabalho artístico em ouro. Faziam estatuetas representando deuses e deusas da religião politeísta egípcia. O ouro também era utilizado para fazer máscaras mortuárias que serviam de proteção para o rosto da múmia.Arquitetura EgípciaOs egípcios desenvolveram vários conhecimentos matemáticos. Com isso, conseguiram erguer obras que sobrevivem até os dias de hoje. Templos, palácios e pirâmides foram construídos em homenagem aos deuses e aos faraós. Eram grandiosos e imponentes, pois deviam mostrar todo poder do faraó. Eram construídos com blocos de pedra, utilizando-se mão-de-obra escrava para o trabalho pesado. Ficando assim conhecida como ARTE MORTUÁRIA.
ARTE GRECO-ROMANA
Antiguidade Clássica é o estilo artístico predominante na Grécia Antiga entre o século VI e IV a.C. O estilo clássico veio substituir o arcaico, que era baseado na tradição religiosa pré-democrática e que tinha por característica imagens geometrizadas e pouco naturalistas.
Com o advento de uma sociedade mais laica e ligada ao pensamento filosófico, os artistas tiveram que buscar uma solução que ligasse o Divino (pois a arte ainda era encomendada para representar deuses e motivos religiosos) ao Humano (novo campo de interesse ligado à política democrática da Pólis e de pensadores como os sofistas e os filósofos, preocupados em compreender a relação entre o homem e o universo). Nesse contexto, construíram uma estética naturalista mas idealizada, baseada em cânones que eram a média das características físicas das pessoas mais belas.
Predominaram na época os nus masculinos (que eram visto como o centro das atrações) e a representação de atletas, como o Hermes e Dionísio de Praxíteles ou o Discóbolo. Fídias foi um grande expoente da arte do período, supervisionando o entalhe das esculturas que adornavam o frontão do Partenon, em Atenas.
A pintura, na Grécia antiga, foi em geral associada a outras formas de arte, como a cerâmica, a estatuária e a arquitetura., onde retratavam cenas do dia a dia. Ao contrário do caso da pintura cerâmica, restam pouquíssimos exemplos de pintura mural ou de painel, e a maior parte do que se sabe sobre esta forma de expressão plástica deriva de fontes literárias antigas e algumas cópias romanas.
ARTE BIZANTINA
A formação da arte bizantina deu-se no período constantiniano, quando vários elementos se combinaram para dar forma a um estilo bizantino, mais presente nas criações arquitetônicas, já que pouco resta da pintura, da escultura e dos mosaicos da época. A arte bizantina está dirigida pela religião; ao clero cabia, além das suas funções, organizar também as artes, tornando os artistas meros executores.O regime era teocrático e o imperador possuía poderes administrativos e espirituais; era o representante de Deus, tanto que se convencionou representá-lo com uma auréola sobre a cabeça, e, não raro encontrar um mosaico onde esteja juntamente com a esposa, ladeando a Virgem Maria e o Menino Jesus.
O mosaico é expressão máxima da arte bizantina e não se destinava apenas a enfeitar as paredes e abóbadas, mas instruir os fiéis mostrando-lhes cenas da vida de Cristo, dos profetas e dos vários imperadores.Plasticamente, o mosaico bizantino em nada se assemelha aos mosaicos romanos; são confeccionados com técnicas diferentes e seguem convenções que regem inclusive os afrescos. Neles, por exemplo, as pessoas são representadas de frente e verticalizadas para criar certa espiritualidade; a perspectiva e o volume são ignorados e o dourado é demasiadamente utilizado devido à associação com maior bem existente na terra: o ouro.
ARTE GÓTICA
No século XII, entre os anos 1150 e 1500, tem início uma economia fundamentada no comércio. Isso faz com que o centro da vida social se desloque do campo para a cidade e apareça a burguesia urbana. No começo do século XII, a arquitetura predominante ainda é a românica, mas já começaram a aparecer as primeiras mudanças que conduziram a uma revolução profunda na arte de projetar e construir grandes edifícios.
ARQUITETURA
A primeira diferença que notamos entre a igreja gótica e a românica é a fachada. Enquanto, de modo geral, a igreja românica apresenta um único portal, a igreja gótica tem três portais que dão acesso à três naves do interior da igreja: a nave central e as duas naves laterais. A arquitetura expressa a grandiosidade, a crença na existência de um Deus que vive num plano superior; tudo se volta para o alto, projetando-se na direção do céu, como se vê nas pontas agulhadas das torres de algumas igrejas góticas. A rosácea é um elemento arquitetônico muito característico do estilo gótico e está presente em quase todas as igrejas construídas entre os séculos XII e XIV. Outros elementos característicos da arquitetura gótica são os arcos góticos ou ogivais e os vitrais coloridíssimos que filtram a luminosidade para o interior da igreja. As catedrais góticas mais conhecidas são: Catedral de Notre Dame de Paris e a Catedral de Notre Dame de Chartres.
ESCULTURA
As esculturas estão ligadas à arquitetura e se alongam para o alto, demonstrando verticalidade, alongamento exagerado das formas, e as feições são caracterizadas de formas a que o fiel possa reconhecer facilmente a personagem representada, exercendo a função de ilustrar os ensinamentos propostos pela igreja.. A pintura gótica desenvolveu-se nos séculos XII, XIV e no início do século XV, quando começou a ganhar novas características que prenunciam o Renascimento. Sua principal particularidade foi a procura o realismo na representação dos seres que compunham as obras pintadas, quase sempre tratando de temas religiosos, apresentava personagens de corpos pouco volumosos, cobertos por muita roupa, com o olhar voltado para cima, em direção ao plano celeste.
Os principais artistas na pintura gótica são os verdadeiros precursores da pintura do Renascimento (Duocento):
* Giotto - a característica principal do seu trabalho foi a identificação da figura dos santos com seres humanos de aparência bem comum. E esses santos com ar de homem comum eram o ser mais importante das cenas que pintava, ocupando sempre posição de destaque na pintura. Assim, a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo, que vai cada vez mais se firmando até ganhar plenitude no Renascimento.
Obras destacadas: Afrescos da Igreja de São Francisco de Assis (Itália) e Retiro de São Joaquim entre os Pastores