quinta-feira, 3 de dezembro de 2009
EXPOSIÇÃO "ARTE NA ESCOLA 2009".
EXPOSIÇÃO DOS TRABALHOS FEITOS PELOS ALUNO DO ENSINO FUNDAMENTAL DA ESCOLA PAULO FREIRE DURANTE O ANO ESCOLAR.
sexta-feira, 27 de novembro de 2009
PROJETO CONSCIÊNCIA NEGRA
“Revelando a riqueza da cultura africana é possível combater preconceitos dos brancos e reforçar a auto-estima dos negros”.
PROFESSORES COLABORADORES:
PROFESSORES DA STE:
CONTEÚDO FOCO:
O projeto tem por objetivo favorecer o desenvolvimento da expressão corporal, oral e cultural dos alunos, através de momentos de interpretação (monólogos), coreografias, músicas, Capoeira, poesias e a valorização estética negra, para a ampliação dos conhecimentos e formação de hábitos e atitudes fundamentais nos valores éticos. Propõe-se, ainda, dar a conhecer, através de demonstrações culturais e de atividades teatrais e de interpretação alguns aspectos importantes do contexto da escravidão negra, ressaltando os valores que impulsionaram e orientaram a sua vida e a formação de sua identidade. Com este conhecimento, vivenciar e valorizar a cultura negra através da música e da pintura como forma de identificação e resgate da auto-estima do aluno afro-descendente. Através de atividades artísticas, busca-se desenvolver ações transformadoras, projetando o respeito como prática fundamental e essencial para mudar as pessoas e, conseqüentemente, a sociedade.O conteúdo foco é a educação voltada para consciência da importância do negro para a constituição e identidade da nação brasileira e principalmente, do respeito à diversidade humana e a abominação do racismo e do preconceito, desenvolvendo por meio de um processo educativo do debate, do entorno, buscando nas nossas próprias raízes a herança biológica e/ou cultural trazida pela influência africana. Inicialmente, será conduzido pela simples observação de fotos de revistas sobre algumas coisas que fazem parte da cultura africana (comidas, danças, vestimentas, etc.);estabelecendo a seguir um vínculo entre as curiosidades que surgirem dos alunos sobre o tema e a instigação provocada pelo professor no intuito de ir avançando no conhecimento sobre o assunto.
SÉRIE A QUE SE DESTINA:
Este projeto se destina ao Ensino fundamental, Médio e EJA do período Matutino, Vespertino e Noturno.
JUSTIFICATIVA:
Comemorar o 20 de novembro – Dia da Consciência negra, dedicando o mês de novembro, para debater e refletir sobre as diferenças raciais e a importância de cada um no processo de construção de nosso país, estado e comunidade. Com este trabalho esperamos que a consciência de valorização do ser humano ultrapasse as fronteiras da violência, do preconceito e do racismo.A elaboração e desenvolvimento desse projeto de arte e cultura negra visam a atender dois pré-requisitos básicos: o exercício da cidadania e vivência dos valores através da apropriação da arte e da cultura, como ferramentas necessárias para estar num mundo formado por sociedades que usam o preconceito como instrumento das esferas de diferenças sociais e, ainda, o resgate da herança africana, cuja história fora esquecida e ignorada ao longo do tempo.Com este trabalho esperamos que a consciência de valorização do ser humano ultrapasse as fronteiras da violência, do preconceito e do racismo.
OBJETIVOS:
· Valorizar a cultura negra e seus afro-descendentes e afro-brasileiros, na escola e na sociedade Iguatemiense.· Entender e valorizar a identidade da criança negra;· Redescobrir a cultura negra, embranquecida pelo tempo;· Desmistificar o preconceito relativo aos costumes religiosos provindos da cultura africana;· Trazer à tona, discussões provocantes, por meio das rodas de conversa, para um posicionamento mais crítico frente à realidade social em que vivemos.
DESENVOLVIMENTO:
O desenvolvimento do projeto estará em consonância com os blocos temáticos citados e será feito de acordo com as necessidades da turma e a realidade local, estabelecendo o problema e a proposta de conteúdo para a classe. O tema será desenvolvido na sala de aula por meio de atividades para a sua exploração, sistematização e para a conclusão dos trabalhos. Os alunos devem fazer observações diretas no entorno familiar, observações indiretas em ilustrações e/ou vídeos, experimentações e leituras.
ATIVIDADES:
· Confecção de um grande livro “Menina bonita do laço de fita” de Maria Helena Machado;
· Estar em contato com músicas da cultura africana como o samba, a batucada, capoeira;
· Produção em artes com pintura em giz de cera e papel panamá com o tema áfrica;
· Produção de poesias;
· Vídeo com negros de nossa cidade;
· Vídeo com crianças negras da Escola;
· Teatralidade interpretativa de textos da cultura africana;
· Realização de um desfile para escolha da Beleza Negra da Escola;
· Coreografias fundamentadas nas raízes negras;
· Trabalhando a geometria nos desenhos africanos.
FECHAMENTO DO PROJETO:
· Abertura da Semana da Consciência Negra no dia 16/11 com encerramento no dia 20/11, com a presença de autoridades locais.
· Exposição na Escola das telas Africanas pintadas pelos alunos;
· Apresentação de danças;
· Apresentação de capoeira com alunos da Escola Municipal Tancredo Neves;
· Declamação de poesias;
· Teatros;
· Apresentação dos vídeos, O Negro em Iguatemi e Crianças Negras e nossa Escola;
· Exposição das Telas em vários pontos da cidade, como nos Bancos, correios, lojas, etc.
AVALIAÇÃO:
A avaliação acontecerá em qualquer momento do processo educativo, de forma contínua e diagnóstica; com a intenção primordial de rever a própria prática docente criando novas possibilidades para estimular os alunos a desenvolverem-se suas potencialidades levando em conta, principalmente, os avanços individuais dentro da coletividade e a participação no desenvolvimento de todas as atividades (de acordo com as peculiaridades de cada aluno) no decorrer do projeto.
CONSIDERAÇÕES FINAIS:
O projeto CONSCIÊNCIA NEGRA E AS MANIFESTAÇÕES AFRICANAS, tem como finalidade principal a tentativa de despertar o educando e a sociedade para um fato do cotidiano que é a discriminação racial e que sempre é ignorado como se não existisse. Envolver crianças, adolescentes, jovens e adultos nesse tema requer um aspecto motivador, o qual está relacionado com a copa 2010 na África do Sul, surgindo assim o interesse maior pela cultura e tipo de vida dos nossos descendentes. Portanto esperamos que todos ao final do projeto tenham essa consciência: “NÃO SE SINTA SUPERIOR AOS SEUS IGUAIS”.
IDENTIFICAÇÃO DO PROJETO:
TEMA: CULTURA AFRO
TEMPO DE EXECUÇÃO: 20 DIAS .
CULMINÂNCIA: DIA 20 DE NOVEMBRO –DIA NACIONAL DA CONSCIÊNCIA NEGRA.
CARACTERÍSTICA: PROJETO INTERDISCIPLINAR, ENVOLVENDO MATEMÁTICA, ARTES E EDUCAÇÃO FISÍCA.
DIREÇÃO:
- Cecília Welter Ledesma.
- Adelir Terezinha Haveroth
- Adauto Teixeira
- Sueli Pacheco
- Luzia de Fátima Layola Nunes
- E-mail: luzzia_layola@hotmail.com
- Blog: http://llayolartes.blogspot.com/
- Marcelo Antonio Moreira
- E-mail:
- Rosana Montovani
- E-mail: rosana.mantovani@uol.com
PROFESSORES COLABORADORES:
- Jackson Rodrigo Morais de souza.
- Email: smrj1@hotmail.comBlog:
- http://jacckson.blogspot.com/
- Maria Lúcia da Silva
- E-mail:
- Blog:
- Maurício Passos
- E-mail:
- Blog:
PROFESSORES DA STE:
- · JOICENIR SOVERNIGO LOPESEMAIL:
- joicelopes_17@hotmail.comBLOG:
- http://artes-13.blogspot.com/
- · HECTOR ROGÉRIO MONZANI.EMAIL:
- hector@top.com.brBLOG:
- http://hectormonzani.blogspot.com/
- · REGIANI R. HOFFMANN
- EMAIL:regiani.r.hoffmann@hotmail.comBLOG:
- http://regianirock.blogspot.com/
CONTEÚDO FOCO:
O projeto tem por objetivo favorecer o desenvolvimento da expressão corporal, oral e cultural dos alunos, através de momentos de interpretação (monólogos), coreografias, músicas, Capoeira, poesias e a valorização estética negra, para a ampliação dos conhecimentos e formação de hábitos e atitudes fundamentais nos valores éticos. Propõe-se, ainda, dar a conhecer, através de demonstrações culturais e de atividades teatrais e de interpretação alguns aspectos importantes do contexto da escravidão negra, ressaltando os valores que impulsionaram e orientaram a sua vida e a formação de sua identidade. Com este conhecimento, vivenciar e valorizar a cultura negra através da música e da pintura como forma de identificação e resgate da auto-estima do aluno afro-descendente. Através de atividades artísticas, busca-se desenvolver ações transformadoras, projetando o respeito como prática fundamental e essencial para mudar as pessoas e, conseqüentemente, a sociedade.O conteúdo foco é a educação voltada para consciência da importância do negro para a constituição e identidade da nação brasileira e principalmente, do respeito à diversidade humana e a abominação do racismo e do preconceito, desenvolvendo por meio de um processo educativo do debate, do entorno, buscando nas nossas próprias raízes a herança biológica e/ou cultural trazida pela influência africana. Inicialmente, será conduzido pela simples observação de fotos de revistas sobre algumas coisas que fazem parte da cultura africana (comidas, danças, vestimentas, etc.);estabelecendo a seguir um vínculo entre as curiosidades que surgirem dos alunos sobre o tema e a instigação provocada pelo professor no intuito de ir avançando no conhecimento sobre o assunto.
SÉRIE A QUE SE DESTINA:
Este projeto se destina ao Ensino fundamental, Médio e EJA do período Matutino, Vespertino e Noturno.
JUSTIFICATIVA:
Comemorar o 20 de novembro – Dia da Consciência negra, dedicando o mês de novembro, para debater e refletir sobre as diferenças raciais e a importância de cada um no processo de construção de nosso país, estado e comunidade. Com este trabalho esperamos que a consciência de valorização do ser humano ultrapasse as fronteiras da violência, do preconceito e do racismo.A elaboração e desenvolvimento desse projeto de arte e cultura negra visam a atender dois pré-requisitos básicos: o exercício da cidadania e vivência dos valores através da apropriação da arte e da cultura, como ferramentas necessárias para estar num mundo formado por sociedades que usam o preconceito como instrumento das esferas de diferenças sociais e, ainda, o resgate da herança africana, cuja história fora esquecida e ignorada ao longo do tempo.Com este trabalho esperamos que a consciência de valorização do ser humano ultrapasse as fronteiras da violência, do preconceito e do racismo.
OBJETIVOS:
· Valorizar a cultura negra e seus afro-descendentes e afro-brasileiros, na escola e na sociedade Iguatemiense.· Entender e valorizar a identidade da criança negra;· Redescobrir a cultura negra, embranquecida pelo tempo;· Desmistificar o preconceito relativo aos costumes religiosos provindos da cultura africana;· Trazer à tona, discussões provocantes, por meio das rodas de conversa, para um posicionamento mais crítico frente à realidade social em que vivemos.
DESENVOLVIMENTO:
O desenvolvimento do projeto estará em consonância com os blocos temáticos citados e será feito de acordo com as necessidades da turma e a realidade local, estabelecendo o problema e a proposta de conteúdo para a classe. O tema será desenvolvido na sala de aula por meio de atividades para a sua exploração, sistematização e para a conclusão dos trabalhos. Os alunos devem fazer observações diretas no entorno familiar, observações indiretas em ilustrações e/ou vídeos, experimentações e leituras.
ATIVIDADES:
· Confecção de um grande livro “Menina bonita do laço de fita” de Maria Helena Machado;
· Estar em contato com músicas da cultura africana como o samba, a batucada, capoeira;
· Produção em artes com pintura em giz de cera e papel panamá com o tema áfrica;
· Produção de poesias;
· Vídeo com negros de nossa cidade;
· Vídeo com crianças negras da Escola;
· Teatralidade interpretativa de textos da cultura africana;
· Realização de um desfile para escolha da Beleza Negra da Escola;
· Coreografias fundamentadas nas raízes negras;
· Trabalhando a geometria nos desenhos africanos.
FECHAMENTO DO PROJETO:
· Abertura da Semana da Consciência Negra no dia 16/11 com encerramento no dia 20/11, com a presença de autoridades locais.
· Exposição na Escola das telas Africanas pintadas pelos alunos;
· Apresentação de danças;
· Apresentação de capoeira com alunos da Escola Municipal Tancredo Neves;
· Declamação de poesias;
· Teatros;
· Apresentação dos vídeos, O Negro em Iguatemi e Crianças Negras e nossa Escola;
· Exposição das Telas em vários pontos da cidade, como nos Bancos, correios, lojas, etc.
AVALIAÇÃO:
A avaliação acontecerá em qualquer momento do processo educativo, de forma contínua e diagnóstica; com a intenção primordial de rever a própria prática docente criando novas possibilidades para estimular os alunos a desenvolverem-se suas potencialidades levando em conta, principalmente, os avanços individuais dentro da coletividade e a participação no desenvolvimento de todas as atividades (de acordo com as peculiaridades de cada aluno) no decorrer do projeto.
CONSIDERAÇÕES FINAIS:
O projeto CONSCIÊNCIA NEGRA E AS MANIFESTAÇÕES AFRICANAS, tem como finalidade principal a tentativa de despertar o educando e a sociedade para um fato do cotidiano que é a discriminação racial e que sempre é ignorado como se não existisse. Envolver crianças, adolescentes, jovens e adultos nesse tema requer um aspecto motivador, o qual está relacionado com a copa 2010 na África do Sul, surgindo assim o interesse maior pela cultura e tipo de vida dos nossos descendentes. Portanto esperamos que todos ao final do projeto tenham essa consciência: “NÃO SE SINTA SUPERIOR AOS SEUS IGUAIS”.
quarta-feira, 18 de novembro de 2009
RESUMO 9º ANO
RESUMO DO 9º ANO
OP-ART
Op art é um termo usado para descrever a arte que explora a falibilidade do olho e pelo uso de ilusões ópticas.A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". Apesar do rigor com que é construída, simboliza um mundo mutável e instável, que não se mantém nunca o mesmo.Os trabalhos de op art são em geral abstratos, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem inchar ou deformar-se.
Pop Art, movimento que usava figuras e ícones populares como tema de suas pinturas, conhecida como Arte Popular.
Tendência das artes plásticas que surge em meados da década de 50, no Reino Unido, vinculada a intelectuais do Instituto de Arte Contemporânea de Londres. Influenciada, de início, por artistas ligados ao dadá e ao surrealismo, a pop art ganha força nos anos 60 nos Estados Unidos (EUA), com repercussão internacional. Explora elementos da cultura de massa e da sociedade de consumo. Robert Rauschenberg (1925), um dos precursores da pop art nos EUA, inclui, por exemplo, uma placa de carro em sua obra Mercado Negro (1961). A linguagem da publicidade e da televisão, os quadrinhos, as embalagens industrializadas, a fotografia, os ídolos populares, os produtos descartáveis e o fast food são a base das criações. Colagens e repetição de imagens em série são características das obras. Em reação ao subjetivismo da abstração, a pop art é uma arte engajada, que pretende fazer um comentário irônico e cínico do mundo capitalista e de seu modo de produção. Ao levar para o universo artístico materiais que fazem parte do cotidiano nas grandes cidades, deseja romper as barreiras entre a arte e o dia-a-dia. Embora, literalmente, pop art signifique arte popular, não há aí referência à produção criativa do povo, mas sim à produção para a massa, o que confere à obra um caráter de produto de consumo. São marcos famosos da pop art os trabalhos de Andy Warhol em serigrafia sobre tela de embalagens de sopa em lata Campbells (1965) e de garrafas de Cola-Cola (1962). Em 1967, ele se apropria da imagem da atriz norte-americana Marilyn Monroe e a reproduz em seqüência, sobre a qual aplica várias combinações de cores. Ao retratar Marilyn com a mesma lógica com que retrata a lata de sopa, Warhol quer mostrar que, em uma sociedade de massa, o mito é tão descartável quanto uma lata. Um dos desdobramentos da pop art nos EUA é o hiper-realismo, que se propõe a reproduzir em pinturas e esculturas cenas do cotidiano com a maior fidelidade possível. As obras, em geral em cores vibrantes e tamanhos enormes, exibem automóveis, paisagens urbanas e anúncios publicitários.
XILOGRAVURA
A xilogravura originou-se na China, sendo conhecida desde o século VIII. No oriente, ela já se afirma durante a Idade Medieval. No século XVI duas inovações revolucionaram a xilogravura. A chegada à África das gravuras Européias a cores, que tiveram grande influência sobre as artes do século XX, e a técnica da gravura de topo criada por Thomas Bewick.
No final do século XVII Juliana Gularte teve a idéia de usar uma madeira mais dura como matriz e marcar os desenhos com o buril, instrumento usado para gravura em metal e que dava uma maior definição ao traço. Dessa maneira Bewick diminuiu os custos de produção de livros ilustrados e abriu caminho para a produção em massa caseira de imagens pictóricas. Mas com a invenção de processadores de impressão a partir da fotografia a xilogravura passa a ser considerada uma técnica atualizada. Atualmente ela é mais utilizada nas artes plásticas e no artesanato do nordeste do país.
Xilogravura popular brasileira
A xilogravura popular é uma permanência do traço medieval da cultura portuguesa transplantada para o Brasil e que se desenvolveu na literatura de cordel. Quase todos os xilogravadores populares brasileiros, principalmente no Nordeste do país, provêm do cordel. Entre os mais importantes presentes no acervo da Galeria Brasiliana estão Abraão Batista, seu filho Hamurabi Batista, José Costa Leite, Forró de Varanda, J. Borges, José Lourenço , Gilvan Samico , Severino Borgese Felipe Mendes .
Marcello Grassmann (São Simão, interior de São Paulo, 1925) é um desenhista e gravador brasileiro.Pretendeu de início ser escultor, cursando entalhe em madeira na Escola Técnica Getúlio Vargas. Passou em seguida para a xilogravura e foi nesse novo rumo que se realizou, conquistando em 1955, na III Bienal de São Paulo, o premio de Melhor Gravador Nacional.Foi influenciado pelo gravador austráco Alfred Kubin e pelos gravadores brasileiros Oswaldo Goeldi-este premiado na I Bienal de S.Paulo e Livio Abramo-premiado na II Bienal. Sofreu influência do expressionismo alemão mas sua personalidade forte cunhou nitidamente um estilo próprio.
OP-ART
Op art é um termo usado para descrever a arte que explora a falibilidade do olho e pelo uso de ilusões ópticas.A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". Apesar do rigor com que é construída, simboliza um mundo mutável e instável, que não se mantém nunca o mesmo.Os trabalhos de op art são em geral abstratos, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem inchar ou deformar-se.
Pop Art, movimento que usava figuras e ícones populares como tema de suas pinturas, conhecida como Arte Popular.
Tendência das artes plásticas que surge em meados da década de 50, no Reino Unido, vinculada a intelectuais do Instituto de Arte Contemporânea de Londres. Influenciada, de início, por artistas ligados ao dadá e ao surrealismo, a pop art ganha força nos anos 60 nos Estados Unidos (EUA), com repercussão internacional. Explora elementos da cultura de massa e da sociedade de consumo. Robert Rauschenberg (1925), um dos precursores da pop art nos EUA, inclui, por exemplo, uma placa de carro em sua obra Mercado Negro (1961). A linguagem da publicidade e da televisão, os quadrinhos, as embalagens industrializadas, a fotografia, os ídolos populares, os produtos descartáveis e o fast food são a base das criações. Colagens e repetição de imagens em série são características das obras. Em reação ao subjetivismo da abstração, a pop art é uma arte engajada, que pretende fazer um comentário irônico e cínico do mundo capitalista e de seu modo de produção. Ao levar para o universo artístico materiais que fazem parte do cotidiano nas grandes cidades, deseja romper as barreiras entre a arte e o dia-a-dia. Embora, literalmente, pop art signifique arte popular, não há aí referência à produção criativa do povo, mas sim à produção para a massa, o que confere à obra um caráter de produto de consumo. São marcos famosos da pop art os trabalhos de Andy Warhol em serigrafia sobre tela de embalagens de sopa em lata Campbells (1965) e de garrafas de Cola-Cola (1962). Em 1967, ele se apropria da imagem da atriz norte-americana Marilyn Monroe e a reproduz em seqüência, sobre a qual aplica várias combinações de cores. Ao retratar Marilyn com a mesma lógica com que retrata a lata de sopa, Warhol quer mostrar que, em uma sociedade de massa, o mito é tão descartável quanto uma lata. Um dos desdobramentos da pop art nos EUA é o hiper-realismo, que se propõe a reproduzir em pinturas e esculturas cenas do cotidiano com a maior fidelidade possível. As obras, em geral em cores vibrantes e tamanhos enormes, exibem automóveis, paisagens urbanas e anúncios publicitários.
XILOGRAVURA
A xilogravura originou-se na China, sendo conhecida desde o século VIII. No oriente, ela já se afirma durante a Idade Medieval. No século XVI duas inovações revolucionaram a xilogravura. A chegada à África das gravuras Européias a cores, que tiveram grande influência sobre as artes do século XX, e a técnica da gravura de topo criada por Thomas Bewick.
No final do século XVII Juliana Gularte teve a idéia de usar uma madeira mais dura como matriz e marcar os desenhos com o buril, instrumento usado para gravura em metal e que dava uma maior definição ao traço. Dessa maneira Bewick diminuiu os custos de produção de livros ilustrados e abriu caminho para a produção em massa caseira de imagens pictóricas. Mas com a invenção de processadores de impressão a partir da fotografia a xilogravura passa a ser considerada uma técnica atualizada. Atualmente ela é mais utilizada nas artes plásticas e no artesanato do nordeste do país.
Xilogravura popular brasileira
A xilogravura popular é uma permanência do traço medieval da cultura portuguesa transplantada para o Brasil e que se desenvolveu na literatura de cordel. Quase todos os xilogravadores populares brasileiros, principalmente no Nordeste do país, provêm do cordel. Entre os mais importantes presentes no acervo da Galeria Brasiliana estão Abraão Batista, seu filho Hamurabi Batista, José Costa Leite, Forró de Varanda, J. Borges, José Lourenço , Gilvan Samico , Severino Borgese Felipe Mendes .
Marcello Grassmann (São Simão, interior de São Paulo, 1925) é um desenhista e gravador brasileiro.Pretendeu de início ser escultor, cursando entalhe em madeira na Escola Técnica Getúlio Vargas. Passou em seguida para a xilogravura e foi nesse novo rumo que se realizou, conquistando em 1955, na III Bienal de São Paulo, o premio de Melhor Gravador Nacional.Foi influenciado pelo gravador austráco Alfred Kubin e pelos gravadores brasileiros Oswaldo Goeldi-este premiado na I Bienal de S.Paulo e Livio Abramo-premiado na II Bienal. Sofreu influência do expressionismo alemão mas sua personalidade forte cunhou nitidamente um estilo próprio.
RESUMO 8º ANO
RESUMO PARA AVALIAÇÃO 8º ANO
O BARROCO NO BRASIL
O barroco, no Brasil, foi introduzido no início do século XVII pelos missionários católicos, especialmente jesuítas, que trouxeram o novo estilo como instrumento de doutrinação cristã. O poema épico Prosopopéia (1601), de Bento Teixeira, é um dos seus marcos iniciais. Atingiu o seu apogeu na literatura com o poeta Gregório de Matos e com o orador sacro Padre Antônio Vieira, e nas artes plásticas seus maiores expoentes foram Aleijadinho, na escultura, e Mestre Ataíde, na pintura Tinha como objetivo as igrejas com estilo barroco, o estado onde se encontra o maior nunero delas é Minas Gerais.
Exemplos são a Basílica de Nossa Senhora do Carmo e a Igreja de Santo Antônio, em Recife, e em Salvador a Igreja de Nossa Senhora do Rosário dos Pretos. Em Minas, a Matriz de Nossa Senhora da Conceição e a Matriz de Nossa Senhora do Pilar, em Ouro Preto, e a Igreja de São Pedro dos Clérigos de Mariana..
Antônio Francisco Lisboa, nosso Aleijadinho, tinha esse apelido devido a uma doença degenerativa que provoca a perda dos membros – discute-se se sífilis, lepra, tromboangeíte obliterante ou ulceração gangrenosa das mãos e dos pés. Nasceu na antiga Vila Rica (atual Ouro Preto), Minas Gerais, filho de um arquiteto português, Manuel Francisco Lisboa, e de uma escrava de quem se sabe apenas o primeiro nome: Isabel.
MISSÃO ARTISTICA FRANCESA.
, A convite da Corte portuguesa, DOM JOÃO VI, veio ao Rio a Missão Artística Francesa, chefiada por Joaquim Lebreton, e composta por um grupo de artistas plásticos. Dela faziam parte os pintores Jean-Baptiste Debret e Nicolas Antoine Taunay, os escultores Auguste Marie Taunay, Marc e Zéphirin Ferrez e o arquiteto Grandjean de Montigny. Esse grupo organizou, a partir de agosto de 1816, a Escola Real das Ciências, Artes e Ofícios, transformada, em 1826, na
Imperial Academia e Escola de Belas-Artes. Durante os cinco anos em que aqui permaneceu Taunay, o pintor, produziu cerca de trinta paisagens do Rio de Janeiro e regiões próximas. Entre elas está "Morro de Santo Antônio em 1816", que compõe o acervo do Museu Nacional de Belas-Artes do Rio de Janeiro. Debret, por sua vez, realizou no Brasil uma imensa obra . Fez vários retratos da família real, aquarelas e desenhos sobre o cotidiano da cidade, retratando as atividades dos escravos, dos grupos indígenas e, também, sobre os fatos da vida da Corte. Pintou cenários para o Teatro São João (atual João Caetano) e realizou trabalhos de ornamentação da cidade do Rio de Janeiro, para festas públicas e oficiais, como a aclamação do rei D. João VI. Além disso, foi professor de pintura histórica na Academia de Belas-Artes criada por D. João, tendo permanecido no Brasil durante quinze anos. Um de seus trabalhos mais conhecidos é o livro " Viagem Pitoresca e Histórica ao Brasil," publicado em três volumes. Nele Debret assim retrata o mulato brasileiro:
ACADEMIA DE BELAS ARTESFoi fundada por João VI de Portugal (1816-1826), em 12 de agosto de 1816, da Escola Real de Ciências, Artes e Ofícios. O soberano teria sido influenciado, nesse gesto, por António de Araújo e Azevedo, o 1.º conde da Barca. O Primeiro ReinadoApós a Independência do Brasil, em 1822, a escola passou a ser conhecida como Academia Imperial das Belas Artes e, mais tarde, como Academia Imperial de Belas Artes.A instituição foi definitivamente instalada em 5 de novembro de 1826, em edifício próprio à altura da Travessa do Sacramento (atual Avenida Passos), inaugurado por Pedro I do Brasil (1822-1831).A partir de então frutificaram os esforços dos mestres franceses, destacando-se os nomes de diversos artistas entre os discípulos nela matriculados, como por exemplo Manuel de Araújo Porto-alegre, Honório Esteves, José de Cristo Moreira, Francisco de Sousa Lobo, José dos Reis Carvalho, José da Silva Arruda, Afonso Falcoz, João Clímaco Alves da Cunha, Augusto César de Paula Goulart, José Correia de Lima, Joaquim Lopes de Barros Cabral, Domingos José Gonçalves de Magalhães, Carlos Luís do Nascimento, Guilherme Müller, Augusto Müller, Tito Alves de Brito, Vasco José da Costa, Costa Miranda, Manuel Antônio Gonçalves Vilela, Manuel Joaquim de Melo Corte Real, Jacó Valdomiro Petra de Barros e outros.O quadro Independência ou Morte, de Pedro Américo, também conhecido como Grito do Ipiranga, é o principal símbolo da proclamação da Independência do Brasil, que é comemorada em 7 de setembro. A imagem, no entanto, não é exatamente uma fotografia do momento em que D. Pedro 1º recebeu a carta que o deixou irado e o levou a pronunciar a famosa frase: “Independência ou Morte”.Enquanto a independência do Brasil foi proclamada em 1822, Pedro Américo só foi terminar de pintar o quadro em 1888, em Florença, na Itália. A obra foi encomendada pela Família Real, que investia na construção do Museu do Ipiranga, hoje oficialmente chamado Museu Paulista, que fica em São Paulo (SP). A idéia era ressaltar a monarquia - que já estava cambaleando e caiu em 15 de novembro de 1889, com a Proclamação da República. Pedro Américo era um pintor histórico, que foi autor de outras obras com o mesmo cunho, como Batalha do Avaí, que retrata um dos eventos da Guerra do Paraguai. Também nesse caso, ele não estava presente. Assim, o Grito do Ipiranga é um quadro simbólico como várias outras pinturas históricas espalhadas pelo mundo.
MOVIMENTO ARTISTICO DO SECULO XX
O EXPRESSIONISMO, CUBISMO, DADAISMO, FUTURISMO, FAUVISMO, ABSTRACIONISMO E SURREALISMO, FAZEM PARTE DE MOVIMENTO ARTISTICO.
O Dadaísmo é caracterizado pela oposição a qualquer tipo de equilíbrio, pela combinação de pessimismo irônico e ingenuidade radical, pelo ceticismo absoluto e improvisação. Enfatizou o ilógico e o absurdo. Entretanto, apesar da aparente falta de sentido, o movimento protestava contra a loucura da guerra. Assim, sua principal estratégia era mesmo denunciar e escandalizar.
O Surrealismo foi um movimento artístico e literário surgido primariamente em Paris dos anos 20, inserido no contexto das vanguardas que viriam a definir o modernismo, reunindo artistas anteriormente ligados ao Dadaísmo e posteriormente expandido para outros países. Fortemente influenciado pelas teorias psicanalíticas de Sigmund Freud (1856-1939), o surrealismo enfatiza o papel do inconsciente na atividade criativa. Seus representantes mais conhecidos são Max Ernst, René Magritte e Salvador Dalí no campo das artes plásticas, André Breton na literatura e Luis Buñuel no cinema.
As características deste estilo: uma combinação do representativo, do abstrato, e do psicológico. Segundo os surrealistas, a arte deve se libertar das exigências da lógica e da razão e ir além da consciência cotidiana, expressando o inconsciente e os sonhos. O principal teórico e líder do movimento é o poeta, escritor e crítico francês André Breton (1896-1966), que em 1924 publica o primeiro Manifesto Surrealista.
Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech nasceu em 11 de maio de 1904, na cidade espanhola de Figueres (Catalunha). Foi um dos mais importantes artistas plásticos (pintor e escultor) surrealistas da Espanha.
A Persistência da Memória
Em 1931, Dalí pintou uma de suas mais famosas obras, A Persistência da Memória.[37] Às vezes chamada de "Relógios fundidos", o trabalho apresenta o surrealista imagem da fusão de um relógio de bolso. A interpretação geral do trabalho é a de que o relógio é, incansavelmente, o pressuposto de que o tempo é rígido ou determinista, e neste sentido é apoiado por outras imagens, no trabalho, tais como a vasta expansão da paisagem e de formigas a voar a devorar os outros relógios.[25]
As duas maiores colecções de trabalhos de Dalí são o museu Salvador Dalí em Saint Petersbourg, Florida, EUA, e o Teatro-Museo Salvador Dalí em Figueres, Catalunha, Espanha.
Dalí foi um artista versátil, e não limitou-se apenas a pintura artística. Algumas de suas obras artísticas mais populares são esculturas e outros objetos, e ele também é conhecido pelas suas contribuições ao teatro, moda, fotografia, entre outras áreas.
O Cubismo é um movimento artístico que ocorreu entre 1907 e 1914, tendo como principais fundadores Pablo Picasso e Georges Braque.O Cubismo tratava as formas da natureza por meio de figuras geométricas, representando todas as partes de um objeto no mesmo plano. A representação do mundo passava a não ter nenhum compromisso com a aparência real das coisas.O cubismo demonstra os objectos como são representados no nosso pensamento. Um pintor cubista retrata o que existe de forma diferente do que nós vemos. O cubismo tem três características principais:1.Demonstra os objectos escolhidos em cubos.2.Descreve as naturezas morta com poucas cores fazendo contraste o claro e o escuro com sombra muito carregadas.3. Não e utilizada a perspectiva, os desenho dominado por figuras geométricas são sobrepostos.Esta arte teve uma grande influência de Cézanne, também se relaciona com as teorias de Einstein, concluiu que é impossível determinar um movimento. Um objecto pode estar parado ou em movimento dependendo da perspectiva em que esta a ser desenhado.
O expressionismo foi um movimento cultural de vanguarda surgido na Alemanha nos primórdios do século XX, que estavam mais interessados na interiorização da criação artística do que em sua exteriorização, projetando na obra de arte uma reflexão individual e subjetiva.O expressionismo plasmou-se num grande número de campos: artes plásticas, literatura, música, cinema, teatro, dança, fotografia, etc. A sua primeira manifestação foi no terreno da pintura, ao mesmo tempo que o fauvismo francês, fato que tornaria ambos movimentos artísticos nos primeiros expoentes das chamadas "vanguardas históricas". Mais que um estilo com características próprias comuns foi um movimento heterogêneo, uma atitude e uma forma de entender a arte que aglutinou diversos artistas de tendências diversas e diferente formação e nível intelectual. Surgido como reação ao impressionismo, frente ao naturalismo e o caráter positivista deste movimento de finais do século XIX os expressionistas defendiam uma arte mais pessoal e intuitiva.
O BARROCO NO BRASIL
O barroco, no Brasil, foi introduzido no início do século XVII pelos missionários católicos, especialmente jesuítas, que trouxeram o novo estilo como instrumento de doutrinação cristã. O poema épico Prosopopéia (1601), de Bento Teixeira, é um dos seus marcos iniciais. Atingiu o seu apogeu na literatura com o poeta Gregório de Matos e com o orador sacro Padre Antônio Vieira, e nas artes plásticas seus maiores expoentes foram Aleijadinho, na escultura, e Mestre Ataíde, na pintura Tinha como objetivo as igrejas com estilo barroco, o estado onde se encontra o maior nunero delas é Minas Gerais.
Exemplos são a Basílica de Nossa Senhora do Carmo e a Igreja de Santo Antônio, em Recife, e em Salvador a Igreja de Nossa Senhora do Rosário dos Pretos. Em Minas, a Matriz de Nossa Senhora da Conceição e a Matriz de Nossa Senhora do Pilar, em Ouro Preto, e a Igreja de São Pedro dos Clérigos de Mariana..
Antônio Francisco Lisboa, nosso Aleijadinho, tinha esse apelido devido a uma doença degenerativa que provoca a perda dos membros – discute-se se sífilis, lepra, tromboangeíte obliterante ou ulceração gangrenosa das mãos e dos pés. Nasceu na antiga Vila Rica (atual Ouro Preto), Minas Gerais, filho de um arquiteto português, Manuel Francisco Lisboa, e de uma escrava de quem se sabe apenas o primeiro nome: Isabel.
MISSÃO ARTISTICA FRANCESA.
, A convite da Corte portuguesa, DOM JOÃO VI, veio ao Rio a Missão Artística Francesa, chefiada por Joaquim Lebreton, e composta por um grupo de artistas plásticos. Dela faziam parte os pintores Jean-Baptiste Debret e Nicolas Antoine Taunay, os escultores Auguste Marie Taunay, Marc e Zéphirin Ferrez e o arquiteto Grandjean de Montigny. Esse grupo organizou, a partir de agosto de 1816, a Escola Real das Ciências, Artes e Ofícios, transformada, em 1826, na
Imperial Academia e Escola de Belas-Artes. Durante os cinco anos em que aqui permaneceu Taunay, o pintor, produziu cerca de trinta paisagens do Rio de Janeiro e regiões próximas. Entre elas está "Morro de Santo Antônio em 1816", que compõe o acervo do Museu Nacional de Belas-Artes do Rio de Janeiro. Debret, por sua vez, realizou no Brasil uma imensa obra . Fez vários retratos da família real, aquarelas e desenhos sobre o cotidiano da cidade, retratando as atividades dos escravos, dos grupos indígenas e, também, sobre os fatos da vida da Corte. Pintou cenários para o Teatro São João (atual João Caetano) e realizou trabalhos de ornamentação da cidade do Rio de Janeiro, para festas públicas e oficiais, como a aclamação do rei D. João VI. Além disso, foi professor de pintura histórica na Academia de Belas-Artes criada por D. João, tendo permanecido no Brasil durante quinze anos. Um de seus trabalhos mais conhecidos é o livro " Viagem Pitoresca e Histórica ao Brasil," publicado em três volumes. Nele Debret assim retrata o mulato brasileiro:
ACADEMIA DE BELAS ARTESFoi fundada por João VI de Portugal (1816-1826), em 12 de agosto de 1816, da Escola Real de Ciências, Artes e Ofícios. O soberano teria sido influenciado, nesse gesto, por António de Araújo e Azevedo, o 1.º conde da Barca. O Primeiro ReinadoApós a Independência do Brasil, em 1822, a escola passou a ser conhecida como Academia Imperial das Belas Artes e, mais tarde, como Academia Imperial de Belas Artes.A instituição foi definitivamente instalada em 5 de novembro de 1826, em edifício próprio à altura da Travessa do Sacramento (atual Avenida Passos), inaugurado por Pedro I do Brasil (1822-1831).A partir de então frutificaram os esforços dos mestres franceses, destacando-se os nomes de diversos artistas entre os discípulos nela matriculados, como por exemplo Manuel de Araújo Porto-alegre, Honório Esteves, José de Cristo Moreira, Francisco de Sousa Lobo, José dos Reis Carvalho, José da Silva Arruda, Afonso Falcoz, João Clímaco Alves da Cunha, Augusto César de Paula Goulart, José Correia de Lima, Joaquim Lopes de Barros Cabral, Domingos José Gonçalves de Magalhães, Carlos Luís do Nascimento, Guilherme Müller, Augusto Müller, Tito Alves de Brito, Vasco José da Costa, Costa Miranda, Manuel Antônio Gonçalves Vilela, Manuel Joaquim de Melo Corte Real, Jacó Valdomiro Petra de Barros e outros.O quadro Independência ou Morte, de Pedro Américo, também conhecido como Grito do Ipiranga, é o principal símbolo da proclamação da Independência do Brasil, que é comemorada em 7 de setembro. A imagem, no entanto, não é exatamente uma fotografia do momento em que D. Pedro 1º recebeu a carta que o deixou irado e o levou a pronunciar a famosa frase: “Independência ou Morte”.Enquanto a independência do Brasil foi proclamada em 1822, Pedro Américo só foi terminar de pintar o quadro em 1888, em Florença, na Itália. A obra foi encomendada pela Família Real, que investia na construção do Museu do Ipiranga, hoje oficialmente chamado Museu Paulista, que fica em São Paulo (SP). A idéia era ressaltar a monarquia - que já estava cambaleando e caiu em 15 de novembro de 1889, com a Proclamação da República. Pedro Américo era um pintor histórico, que foi autor de outras obras com o mesmo cunho, como Batalha do Avaí, que retrata um dos eventos da Guerra do Paraguai. Também nesse caso, ele não estava presente. Assim, o Grito do Ipiranga é um quadro simbólico como várias outras pinturas históricas espalhadas pelo mundo.
MOVIMENTO ARTISTICO DO SECULO XX
O EXPRESSIONISMO, CUBISMO, DADAISMO, FUTURISMO, FAUVISMO, ABSTRACIONISMO E SURREALISMO, FAZEM PARTE DE MOVIMENTO ARTISTICO.
O Dadaísmo é caracterizado pela oposição a qualquer tipo de equilíbrio, pela combinação de pessimismo irônico e ingenuidade radical, pelo ceticismo absoluto e improvisação. Enfatizou o ilógico e o absurdo. Entretanto, apesar da aparente falta de sentido, o movimento protestava contra a loucura da guerra. Assim, sua principal estratégia era mesmo denunciar e escandalizar.
O Surrealismo foi um movimento artístico e literário surgido primariamente em Paris dos anos 20, inserido no contexto das vanguardas que viriam a definir o modernismo, reunindo artistas anteriormente ligados ao Dadaísmo e posteriormente expandido para outros países. Fortemente influenciado pelas teorias psicanalíticas de Sigmund Freud (1856-1939), o surrealismo enfatiza o papel do inconsciente na atividade criativa. Seus representantes mais conhecidos são Max Ernst, René Magritte e Salvador Dalí no campo das artes plásticas, André Breton na literatura e Luis Buñuel no cinema.
As características deste estilo: uma combinação do representativo, do abstrato, e do psicológico. Segundo os surrealistas, a arte deve se libertar das exigências da lógica e da razão e ir além da consciência cotidiana, expressando o inconsciente e os sonhos. O principal teórico e líder do movimento é o poeta, escritor e crítico francês André Breton (1896-1966), que em 1924 publica o primeiro Manifesto Surrealista.
Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech nasceu em 11 de maio de 1904, na cidade espanhola de Figueres (Catalunha). Foi um dos mais importantes artistas plásticos (pintor e escultor) surrealistas da Espanha.
A Persistência da Memória
Em 1931, Dalí pintou uma de suas mais famosas obras, A Persistência da Memória.[37] Às vezes chamada de "Relógios fundidos", o trabalho apresenta o surrealista imagem da fusão de um relógio de bolso. A interpretação geral do trabalho é a de que o relógio é, incansavelmente, o pressuposto de que o tempo é rígido ou determinista, e neste sentido é apoiado por outras imagens, no trabalho, tais como a vasta expansão da paisagem e de formigas a voar a devorar os outros relógios.[25]
As duas maiores colecções de trabalhos de Dalí são o museu Salvador Dalí em Saint Petersbourg, Florida, EUA, e o Teatro-Museo Salvador Dalí em Figueres, Catalunha, Espanha.
Dalí foi um artista versátil, e não limitou-se apenas a pintura artística. Algumas de suas obras artísticas mais populares são esculturas e outros objetos, e ele também é conhecido pelas suas contribuições ao teatro, moda, fotografia, entre outras áreas.
O Cubismo é um movimento artístico que ocorreu entre 1907 e 1914, tendo como principais fundadores Pablo Picasso e Georges Braque.O Cubismo tratava as formas da natureza por meio de figuras geométricas, representando todas as partes de um objeto no mesmo plano. A representação do mundo passava a não ter nenhum compromisso com a aparência real das coisas.O cubismo demonstra os objectos como são representados no nosso pensamento. Um pintor cubista retrata o que existe de forma diferente do que nós vemos. O cubismo tem três características principais:1.Demonstra os objectos escolhidos em cubos.2.Descreve as naturezas morta com poucas cores fazendo contraste o claro e o escuro com sombra muito carregadas.3. Não e utilizada a perspectiva, os desenho dominado por figuras geométricas são sobrepostos.Esta arte teve uma grande influência de Cézanne, também se relaciona com as teorias de Einstein, concluiu que é impossível determinar um movimento. Um objecto pode estar parado ou em movimento dependendo da perspectiva em que esta a ser desenhado.
O expressionismo foi um movimento cultural de vanguarda surgido na Alemanha nos primórdios do século XX, que estavam mais interessados na interiorização da criação artística do que em sua exteriorização, projetando na obra de arte uma reflexão individual e subjetiva.O expressionismo plasmou-se num grande número de campos: artes plásticas, literatura, música, cinema, teatro, dança, fotografia, etc. A sua primeira manifestação foi no terreno da pintura, ao mesmo tempo que o fauvismo francês, fato que tornaria ambos movimentos artísticos nos primeiros expoentes das chamadas "vanguardas históricas". Mais que um estilo com características próprias comuns foi um movimento heterogêneo, uma atitude e uma forma de entender a arte que aglutinou diversos artistas de tendências diversas e diferente formação e nível intelectual. Surgido como reação ao impressionismo, frente ao naturalismo e o caráter positivista deste movimento de finais do século XIX os expressionistas defendiam uma arte mais pessoal e intuitiva.
RESUMO 7º ANO
RESUMO 7º ANO
RENACIMENTO ITALIANO
Roma: e outras tantas, distanciadas do Gótico, vêm a lume. Renascença Italiana é como ficou conhecida a fase de abertura da Renascimento (ou Renascença), um período de grandes mudanças e conquistas culturais que ocorreram na Europa, entre o século XIV e o século XVI. Este período marca a transição entre a Idade Média e a Idade Moderna[1].A referência inicial é a região da Toscana[2], centrado nas cidades de Florença e Siena. Espalhou-se depois para o sul, tendo um impacto muito significativo sobre Roma, que foi praticamente reconstruída, em sua maior parte, sob a tutela dos Sumo Pontífices da Igreja Católica Romana que ocuparam a Cátedra de São Pedro no período, especialmente Sisto IV.
Foi um momento de grandes realizações culturais, do aparecimento de nomes como: Petrarca, Baldassare Castiglione e Maquiavel na literatura; Leonardo da Vinci (O GRANDE GENIO DA PINTURA), Botticelli, Michelangelo, Rafael e Pablo ucello toda uma gama imensa de grandes mestres nas artes plásticas. Um período de grandes realizações arquitetônicas: do domo de igreja de Santa Maria del Fiore, de Brunelleschi em Florença e a Basílica de São Pedro .
Renascimento na Alemanha e nos Países Baixos
Fora da Itália foi a pintura entre as artes plásticas que melhor refletiu a nacionalização do espírito humanista. Artistas
como Dürer, Hans Holbein, Bosch e Bruegel fizeram uma espécie de conciliação entre o gótico e a nova pintura italiana que
resultava de uma interpretação científica da realidade.
Hieronymus Bosch (1450 – 1516) dono de um estilo inconfundível. Sua pintura mistura símbolos de astrologia, de
alquimia e magia conhecidos no final da Id. Média. Nem tudo em suas telas pode ser decifrado, pois Bosch cria formas
que estão presentes apenas nos sonhos e delírios.
Alguns críticos vêem em sua pintura a representação do conflito que inquietava o espírito do homem do final da Id.
Média: o sentimento do pecado ligado aos prazeres materiais de um lado, e do outro a busca das virtudes de uma vida
ascética (devoto, místico, contemplativo). Além do forte misticismo que se espalhou entre as pessoas mais simples da
Europa fortalecendo crenças em manifestações diabólicas e superstições. Bosch descreve um pesadelo próprio dos que viviam
aterrorizados pelo medo do inferno.
Albrecht Dürer (1471 – 1528) revelou seu talento desde cedo, da Alemanha onde iniciou seus estudos e seguindo
para a Itália em busca de aperfeiçoamento. Durante suas viagens retratou em aquarela os mais variados lugares dos
vales alpinos, nos retratos registrava além dos traços físicos e da posição social um pouco do caráter do retratado.
Considerado o primeiro artista alemão a conceber a arte como uma representação fiel da realidade.
Hans Hobein (1498 – 1543) famoso por retratar personalidades políticas, financeiras e intelectuais da Inglaterra e
dos Países Baixos. Em seus retratos há uma série de objetos que mostravam a personalidade e o poder econômico da pessoa retratata, supondo em suas obras um realismo tranqüilo.
BARROCO
O Barroco surgiu na Itália, aproveitando-se de alguns elementos renascentistas e transformando-os. O renascimento italiano influenciou sobremaneira a arte posterior. Costuma-se dizer que vivíamos o estilo renascentista de construção, por exemplo, quase até o Século 20, com a entrada em cena do modernismo. O barroco também se inspira, em certo sentido, na arquitetura clássica. Mas recebe esse nome pelos críticos do período (com o significado de grotesco) exatamente por não respeitar as combinações e a utilização dos gregos e romanos. Apesar de utilizar-se de formas naturalistas, não se pode dizer que seja uma mera continuação do renascimento.
A Pintura Barroca na Itália De um modo geral, a pintura barroca pode ser resumida em alguns pontos principais. O primeiro é a disposição dos elementos dos quadros, que sempre forma uma composição em diagonal. Além disso, as cenas são envolvidas em acentuado contraste de claro- escuro, intensificando a expressão de sentimentos. E se a pintura barroca é realista, essa realidade não é só a vida de reis e nobres, mas também a do povo simples. Dentre os pintores italianos desse período, quatro são os mais expressivos; Michelangelo, o verdadeiro precursor do barroco, ainda dentro do Renascimento. Seu trabalho na Capela Sistina já prediz o que seria o barroco. Ele lançou as bases da pintura barroca, seu estilo e suas tendências. O Segundo foi Tintoretto, o mestre do Maneirismo que, com o passar dos anos, enveredou pelo barroco, encontrando nesse estilo o campo fértil para seu talento. Tintoretto determinou aqui duas características bem marcantes: os corpos das figuras são mais expressivos do que seus rostos e a luz e a cor têm grande intensidade. Tintoretto (Jacopo Robusti, 1518 – 1594) –
O Mestre Filho de um Tintureiro Pintor italiano de Veneza, cujo apelido, Tintoretto, deriva da profissão de seu pai, um tintureiro. Foi na tinturaria do pai que o jovem pintor começou a experimentar cores e tons, ainda sobre tecidos velhos e manchados. Produziu uma grande quantidade de obras para a Igreja, além de cenas mitológicas e retratos. Foi um desenhista formidável que se destacou por empregar em suas telas vívidos exageros de luz e movimento. Já velho e milionário, resolveu ensinar sua arte a jovens discípulos, fundando sua própria escola de arte, atitude incomum para a época. Caravaggio (1573 – 1610) – O Uso Revolucionário da Luz Caravaggio não se interessou pela beleza clássica que encantou o Renascimento. Procurava seus modelos entre pessoas do povo. O que melhor caracteriza a pintura de Caravaggio é essa atitude de retratar os temas sagrados como um acontecimento atual entre pessoas humildes; as figuras bíblicas assemelham- se a trabalhadores comuns, com fisionomias curtidas pelo tempo. E mais que isso, a forma revolucionária como ele usava a luz. Ela não aparece como reflexo da luz solar, mas é criada intencionalmente pelo artista para dirigir a atenção do observador. Isso foi tão fundamental na sua obra, que ele é conhecido como fundador do estilo Iluminista. Andrea Pozzo (1642 – 1709) – Os Tetos das Igrejas Abrem-se para o Céu A pintura barroca desenvolveu-se também nos tetos de igrejas e de palácios. Essa pintura, decorativa, marcou o trabalho de Pozzo, que ao pintar os interiores e teto das igrejas, impressionava pelo número de figuras e pela ilusão – criada pela perspectiva – de que as paredes e colunas da igreja continuam no teto, e que este se abre para o céu, de onde anjos e santos convidam o homem para a santidade.
Maneirismo foi um estilo e um movimento artístico que se desenvolveu na Europa aproximadamente entre 1515 e 1600 [1] como uma revisão dos valores clássicos e naturalistas prestigiados pelo Humanismo renascentista e cristalizados na Alta Renascença. O Maneirismo é mais estudado em suas manifestações na pintura, escultura e arquitetura da Itália, onde se originou, mas teve impacto também sobre as outras artes e influenciou a cultura de praticamente todas as nações européias, deixando traços até nas suas colônias da América e no Oriente. Tem um perfil de difícil definição, mas em linhas gerais caracterizou-se pela deliberada sofisticação intelectualista, pela valorização da originalidade e das interpretações individuais, pelo dinamismo e complexidade de suas formas, e pelo artificialismo no tratamento dos seus temas, a fim de se conseguir maior emoção, elegância, poder ou tensão. É marcado pela contradição e o conflito e assumiu na vasta área em que se manifestou variadas feiçõe
RENACIMENTO ITALIANO
Roma: e outras tantas, distanciadas do Gótico, vêm a lume. Renascença Italiana é como ficou conhecida a fase de abertura da Renascimento (ou Renascença), um período de grandes mudanças e conquistas culturais que ocorreram na Europa, entre o século XIV e o século XVI. Este período marca a transição entre a Idade Média e a Idade Moderna[1].A referência inicial é a região da Toscana[2], centrado nas cidades de Florença e Siena. Espalhou-se depois para o sul, tendo um impacto muito significativo sobre Roma, que foi praticamente reconstruída, em sua maior parte, sob a tutela dos Sumo Pontífices da Igreja Católica Romana que ocuparam a Cátedra de São Pedro no período, especialmente Sisto IV.
Foi um momento de grandes realizações culturais, do aparecimento de nomes como: Petrarca, Baldassare Castiglione e Maquiavel na literatura; Leonardo da Vinci (O GRANDE GENIO DA PINTURA), Botticelli, Michelangelo, Rafael e Pablo ucello toda uma gama imensa de grandes mestres nas artes plásticas. Um período de grandes realizações arquitetônicas: do domo de igreja de Santa Maria del Fiore, de Brunelleschi em Florença e a Basílica de São Pedro .
Renascimento na Alemanha e nos Países Baixos
Fora da Itália foi a pintura entre as artes plásticas que melhor refletiu a nacionalização do espírito humanista. Artistas
como Dürer, Hans Holbein, Bosch e Bruegel fizeram uma espécie de conciliação entre o gótico e a nova pintura italiana que
resultava de uma interpretação científica da realidade.
Hieronymus Bosch (1450 – 1516) dono de um estilo inconfundível. Sua pintura mistura símbolos de astrologia, de
alquimia e magia conhecidos no final da Id. Média. Nem tudo em suas telas pode ser decifrado, pois Bosch cria formas
que estão presentes apenas nos sonhos e delírios.
Alguns críticos vêem em sua pintura a representação do conflito que inquietava o espírito do homem do final da Id.
Média: o sentimento do pecado ligado aos prazeres materiais de um lado, e do outro a busca das virtudes de uma vida
ascética (devoto, místico, contemplativo). Além do forte misticismo que se espalhou entre as pessoas mais simples da
Europa fortalecendo crenças em manifestações diabólicas e superstições. Bosch descreve um pesadelo próprio dos que viviam
aterrorizados pelo medo do inferno.
Albrecht Dürer (1471 – 1528) revelou seu talento desde cedo, da Alemanha onde iniciou seus estudos e seguindo
para a Itália em busca de aperfeiçoamento. Durante suas viagens retratou em aquarela os mais variados lugares dos
vales alpinos, nos retratos registrava além dos traços físicos e da posição social um pouco do caráter do retratado.
Considerado o primeiro artista alemão a conceber a arte como uma representação fiel da realidade.
Hans Hobein (1498 – 1543) famoso por retratar personalidades políticas, financeiras e intelectuais da Inglaterra e
dos Países Baixos. Em seus retratos há uma série de objetos que mostravam a personalidade e o poder econômico da pessoa retratata, supondo em suas obras um realismo tranqüilo.
BARROCO
O Barroco surgiu na Itália, aproveitando-se de alguns elementos renascentistas e transformando-os. O renascimento italiano influenciou sobremaneira a arte posterior. Costuma-se dizer que vivíamos o estilo renascentista de construção, por exemplo, quase até o Século 20, com a entrada em cena do modernismo. O barroco também se inspira, em certo sentido, na arquitetura clássica. Mas recebe esse nome pelos críticos do período (com o significado de grotesco) exatamente por não respeitar as combinações e a utilização dos gregos e romanos. Apesar de utilizar-se de formas naturalistas, não se pode dizer que seja uma mera continuação do renascimento.
A Pintura Barroca na Itália De um modo geral, a pintura barroca pode ser resumida em alguns pontos principais. O primeiro é a disposição dos elementos dos quadros, que sempre forma uma composição em diagonal. Além disso, as cenas são envolvidas em acentuado contraste de claro- escuro, intensificando a expressão de sentimentos. E se a pintura barroca é realista, essa realidade não é só a vida de reis e nobres, mas também a do povo simples. Dentre os pintores italianos desse período, quatro são os mais expressivos; Michelangelo, o verdadeiro precursor do barroco, ainda dentro do Renascimento. Seu trabalho na Capela Sistina já prediz o que seria o barroco. Ele lançou as bases da pintura barroca, seu estilo e suas tendências. O Segundo foi Tintoretto, o mestre do Maneirismo que, com o passar dos anos, enveredou pelo barroco, encontrando nesse estilo o campo fértil para seu talento. Tintoretto determinou aqui duas características bem marcantes: os corpos das figuras são mais expressivos do que seus rostos e a luz e a cor têm grande intensidade. Tintoretto (Jacopo Robusti, 1518 – 1594) –
O Mestre Filho de um Tintureiro Pintor italiano de Veneza, cujo apelido, Tintoretto, deriva da profissão de seu pai, um tintureiro. Foi na tinturaria do pai que o jovem pintor começou a experimentar cores e tons, ainda sobre tecidos velhos e manchados. Produziu uma grande quantidade de obras para a Igreja, além de cenas mitológicas e retratos. Foi um desenhista formidável que se destacou por empregar em suas telas vívidos exageros de luz e movimento. Já velho e milionário, resolveu ensinar sua arte a jovens discípulos, fundando sua própria escola de arte, atitude incomum para a época. Caravaggio (1573 – 1610) – O Uso Revolucionário da Luz Caravaggio não se interessou pela beleza clássica que encantou o Renascimento. Procurava seus modelos entre pessoas do povo. O que melhor caracteriza a pintura de Caravaggio é essa atitude de retratar os temas sagrados como um acontecimento atual entre pessoas humildes; as figuras bíblicas assemelham- se a trabalhadores comuns, com fisionomias curtidas pelo tempo. E mais que isso, a forma revolucionária como ele usava a luz. Ela não aparece como reflexo da luz solar, mas é criada intencionalmente pelo artista para dirigir a atenção do observador. Isso foi tão fundamental na sua obra, que ele é conhecido como fundador do estilo Iluminista. Andrea Pozzo (1642 – 1709) – Os Tetos das Igrejas Abrem-se para o Céu A pintura barroca desenvolveu-se também nos tetos de igrejas e de palácios. Essa pintura, decorativa, marcou o trabalho de Pozzo, que ao pintar os interiores e teto das igrejas, impressionava pelo número de figuras e pela ilusão – criada pela perspectiva – de que as paredes e colunas da igreja continuam no teto, e que este se abre para o céu, de onde anjos e santos convidam o homem para a santidade.
Maneirismo foi um estilo e um movimento artístico que se desenvolveu na Europa aproximadamente entre 1515 e 1600 [1] como uma revisão dos valores clássicos e naturalistas prestigiados pelo Humanismo renascentista e cristalizados na Alta Renascença. O Maneirismo é mais estudado em suas manifestações na pintura, escultura e arquitetura da Itália, onde se originou, mas teve impacto também sobre as outras artes e influenciou a cultura de praticamente todas as nações européias, deixando traços até nas suas colônias da América e no Oriente. Tem um perfil de difícil definição, mas em linhas gerais caracterizou-se pela deliberada sofisticação intelectualista, pela valorização da originalidade e das interpretações individuais, pelo dinamismo e complexidade de suas formas, e pelo artificialismo no tratamento dos seus temas, a fim de se conseguir maior emoção, elegância, poder ou tensão. É marcado pela contradição e o conflito e assumiu na vasta área em que se manifestou variadas feiçõe
RESUMO PARA AVALIAÇÃO 6º ANO
RESUMO DO 6º ANO
A cor é uma percepção visual provocada pela ação de um feixe de fotons sobre células especializadas da retina, que transmitem através de informação pré-processada no nervo óptico, impressões para o sistema nervoso.
A cor de um material é determinada pelas médias de frequência dos pacotes de onda que as suas moléculas constituintes refletem. Um objeto terá determinada cor se não absorver justamente os raios correspondentes à frequência daquela cor.Assim, um objeto é vermelho se absorve preferencialmente as frequências fora do vermelho.A cor é relacionada com os diferentes comprimento de onda do espectro eletromagnético. São percebidas pelas pessoas, em faixa específica (zona do visível), e por alguns animais através dos órgaos de visão, como uma sensação que nos permite diferenciar os objetos do espaço com maior precisão.Considerando as cores como luz, a cor branca resulta da sobreposição de todas as cores, enquanto o preto é a ausência de luz. Uma luz branca pode ser decomposta em todas as cores (o espectro) por meio de um prisma Na natureza, esta decomposição origina um arco-íris
Uma cor primária é uma cor que não pode ser decomposta em outras cores. Essas cores são misturadas entre si para produzir as demais cores do espectro. Quando duas cores primárias são misturadas, produz-se o que se conhece como cor secundária, e ao se misturar uma cor secundária com uma primária surge uma cor terciária.Tradicionalmente, o vermelho, o azul e o amarelo são tratadas como as cores primárias nas artes Cores secundárias são as cores que se formam pela mistura de duas cores primárias, em partes iguais.
No início, a teoria dos pigmentos era restrita à pintura. Os antigos pintores já faziam misturas antes da moderna ciência das cores, e as tintas usadas até então eram poucas. No sistema RYB, que emprega a teoria das cores de Leonardo da Vinci, as cores secundárias são:
Verde - formado por azul e amarelo
Laranja - formado por amarelo e vermelho
Violeta (ou púrpura) - formado por azul e vermelho
Cor terciária é uma cor composta por uma cor primária e uma cor secundária. São ao todo seis cores, a saber:
Laranja = vermelho + amarelo
Oliva = verde + amarelo
Turquesa = verde + ciano
Celeste = azul + ciano
Violeta = azul + magenta
Cor de rosa = vermelho + magenta
CORES NEUTRAS . Na ciência das cores, duas cores são chamadas complementares se, quando misturadas, produzem o preto, o branco ou alguma graduação de cinza. Nos sistemas de cores mais perceptíveis, o branco está no centro do espectro e as cores complementares se situam uma ao lado oposto da outra. O exemplo mais claro é o sistema HSV, no qual as cores complementares estão em lados opostos no disco de cores.
MONOCROMIA - Radiação (ou luz) monocromática é a radiação produzida por apenas uma cor (em rigor, de apenas um comprimento de onda). O termo "monocromático" não é empregado para o preto (ausência de cor/luz) ou o branco (soma de todas as cores).
POLICROMIA – Policromia é o emprego de muitas cores num mesmo trabalho, formando um tom agradével (harmônico).
História Da Arte
As artes plásticas surgem na pré-história. Existem diversos exemplos da pintura rupestre em cavernas habitadas por humanos. Até os dias atuais há sempre uma necessidade de expressão artística utilizando novos meios. É nas artes plásticas que encontramos o uso De novos meios para a criação e apreciação estética. A Pré-história foi dividida em dois período: Período Paleolitico e Período Neolítico.
ARTE EGIPCIA
As artes no Egito Antigo estavam muito relacionadas com a vida religiosa. A maioria das estátuas, pinturas, monumentos e obras arquitetônicas estavam ligados, direta ou indiretamente, aos temas religiosos.
Pintura EgípciaGrande parte das pinturas eram feitas nas paredes das pirâmides. Estas obras retratavam a vida dos faraós, as ações dos deuses, a vida após a morte entre outros temas da vida religiosa. Estes desenhos eram feitos de maneira que as figuras eram mostradas de perfil. Os egípcios não trabalhavam com a técnica da perspectiva (imagens tridimensionais). Os desenhos eram acompanhados de textos, feitos em escrita hieroglífica (as palavras e expressões eram representadas por desenhos). As tintas eram obtidas na natureza (pó de minérios, substâncias orgânicas, etc). Escultura EgípciaNas tumbas de diversos faraós foram encontradas diversas esculturas do ouro. Os artistas egípcios conheciam muito bem as técnicas de trabalho artístico em ouro. Faziam estatuetas representando deuses e deusas da religião politeísta egípcia. O ouro também era utilizado para fazer máscaras mortuárias que serviam de proteção para o rosto da múmia.Arquitetura EgípciaOs egípcios desenvolveram vários conhecimentos matemáticos. Com isso, conseguiram erguer obras que sobrevivem até os dias de hoje. Templos, palácios e pirâmides foram construídos em homenagem aos deuses e aos faraós. Eram grandiosos e imponentes, pois deviam mostrar todo poder do faraó. Eram construídos com blocos de pedra, utilizando-se mão-de-obra escrava para o trabalho pesado. Ficando assim conhecida como ARTE MORTUÁRIA.
ARTE GRECO-ROMANA
Antiguidade Clássica é o estilo artístico predominante na Grécia Antiga entre o século VI e IV a.C. O estilo clássico veio substituir o arcaico, que era baseado na tradição religiosa pré-democrática e que tinha por característica imagens geometrizadas e pouco naturalistas.
Com o advento de uma sociedade mais laica e ligada ao pensamento filosófico, os artistas tiveram que buscar uma solução que ligasse o Divino (pois a arte ainda era encomendada para representar deuses e motivos religiosos) ao Humano (novo campo de interesse ligado à política democrática da Pólis e de pensadores como os sofistas e os filósofos, preocupados em compreender a relação entre o homem e o universo). Nesse contexto, construíram uma estética naturalista mas idealizada, baseada em cânones que eram a média das características físicas das pessoas mais belas.
Predominaram na época os nus masculinos (que eram visto como o centro das atrações) e a representação de atletas, como o Hermes e Dionísio de Praxíteles ou o Discóbolo. Fídias foi um grande expoente da arte do período, supervisionando o entalhe das esculturas que adornavam o frontão do Partenon, em Atenas.
A pintura, na Grécia antiga, foi em geral associada a outras formas de arte, como a cerâmica, a estatuária e a arquitetura., onde retratavam cenas do dia a dia. Ao contrário do caso da pintura cerâmica, restam pouquíssimos exemplos de pintura mural ou de painel, e a maior parte do que se sabe sobre esta forma de expressão plástica deriva de fontes literárias antigas e algumas cópias romanas.
ARTE BIZANTINA
A formação da arte bizantina deu-se no período constantiniano, quando vários elementos se combinaram para dar forma a um estilo bizantino, mais presente nas criações arquitetônicas, já que pouco resta da pintura, da escultura e dos mosaicos da época. A arte bizantina está dirigida pela religião; ao clero cabia, além das suas funções, organizar também as artes, tornando os artistas meros executores.O regime era teocrático e o imperador possuía poderes administrativos e espirituais; era o representante de Deus, tanto que se convencionou representá-lo com uma auréola sobre a cabeça, e, não raro encontrar um mosaico onde esteja juntamente com a esposa, ladeando a Virgem Maria e o Menino Jesus.
O mosaico é expressão máxima da arte bizantina e não se destinava apenas a enfeitar as paredes e abóbadas, mas instruir os fiéis mostrando-lhes cenas da vida de Cristo, dos profetas e dos vários imperadores.Plasticamente, o mosaico bizantino em nada se assemelha aos mosaicos romanos; são confeccionados com técnicas diferentes e seguem convenções que regem inclusive os afrescos. Neles, por exemplo, as pessoas são representadas de frente e verticalizadas para criar certa espiritualidade; a perspectiva e o volume são ignorados e o dourado é demasiadamente utilizado devido à associação com maior bem existente na terra: o ouro.
ARTE GÓTICA
No século XII, entre os anos 1150 e 1500, tem início uma economia fundamentada no comércio. Isso faz com que o centro da vida social se desloque do campo para a cidade e apareça a burguesia urbana. No começo do século XII, a arquitetura predominante ainda é a românica, mas já começaram a aparecer as primeiras mudanças que conduziram a uma revolução profunda na arte de projetar e construir grandes edifícios.
ARQUITETURA
A primeira diferença que notamos entre a igreja gótica e a românica é a fachada. Enquanto, de modo geral, a igreja românica apresenta um único portal, a igreja gótica tem três portais que dão acesso à três naves do interior da igreja: a nave central e as duas naves laterais. A arquitetura expressa a grandiosidade, a crença na existência de um Deus que vive num plano superior; tudo se volta para o alto, projetando-se na direção do céu, como se vê nas pontas agulhadas das torres de algumas igrejas góticas. A rosácea é um elemento arquitetônico muito característico do estilo gótico e está presente em quase todas as igrejas construídas entre os séculos XII e XIV. Outros elementos característicos da arquitetura gótica são os arcos góticos ou ogivais e os vitrais coloridíssimos que filtram a luminosidade para o interior da igreja. As catedrais góticas mais conhecidas são: Catedral de Notre Dame de Paris e a Catedral de Notre Dame de Chartres.
ESCULTURA
As esculturas estão ligadas à arquitetura e se alongam para o alto, demonstrando verticalidade, alongamento exagerado das formas, e as feições são caracterizadas de formas a que o fiel possa reconhecer facilmente a personagem representada, exercendo a função de ilustrar os ensinamentos propostos pela igreja.. A pintura gótica desenvolveu-se nos séculos XII, XIV e no início do século XV, quando começou a ganhar novas características que prenunciam o Renascimento. Sua principal particularidade foi a procura o realismo na representação dos seres que compunham as obras pintadas, quase sempre tratando de temas religiosos, apresentava personagens de corpos pouco volumosos, cobertos por muita roupa, com o olhar voltado para cima, em direção ao plano celeste.
Os principais artistas na pintura gótica são os verdadeiros precursores da pintura do Renascimento (Duocento):
* Giotto - a característica principal do seu trabalho foi a identificação da figura dos santos com seres humanos de aparência bem comum. E esses santos com ar de homem comum eram o ser mais importante das cenas que pintava, ocupando sempre posição de destaque na pintura. Assim, a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo, que vai cada vez mais se firmando até ganhar plenitude no Renascimento.
Obras destacadas: Afrescos da Igreja de São Francisco de Assis (Itália) e Retiro de São Joaquim entre os Pastores
A cor é uma percepção visual provocada pela ação de um feixe de fotons sobre células especializadas da retina, que transmitem através de informação pré-processada no nervo óptico, impressões para o sistema nervoso.
A cor de um material é determinada pelas médias de frequência dos pacotes de onda que as suas moléculas constituintes refletem. Um objeto terá determinada cor se não absorver justamente os raios correspondentes à frequência daquela cor.Assim, um objeto é vermelho se absorve preferencialmente as frequências fora do vermelho.A cor é relacionada com os diferentes comprimento de onda do espectro eletromagnético. São percebidas pelas pessoas, em faixa específica (zona do visível), e por alguns animais através dos órgaos de visão, como uma sensação que nos permite diferenciar os objetos do espaço com maior precisão.Considerando as cores como luz, a cor branca resulta da sobreposição de todas as cores, enquanto o preto é a ausência de luz. Uma luz branca pode ser decomposta em todas as cores (o espectro) por meio de um prisma Na natureza, esta decomposição origina um arco-íris
Uma cor primária é uma cor que não pode ser decomposta em outras cores. Essas cores são misturadas entre si para produzir as demais cores do espectro. Quando duas cores primárias são misturadas, produz-se o que se conhece como cor secundária, e ao se misturar uma cor secundária com uma primária surge uma cor terciária.Tradicionalmente, o vermelho, o azul e o amarelo são tratadas como as cores primárias nas artes Cores secundárias são as cores que se formam pela mistura de duas cores primárias, em partes iguais.
No início, a teoria dos pigmentos era restrita à pintura. Os antigos pintores já faziam misturas antes da moderna ciência das cores, e as tintas usadas até então eram poucas. No sistema RYB, que emprega a teoria das cores de Leonardo da Vinci, as cores secundárias são:
Verde - formado por azul e amarelo
Laranja - formado por amarelo e vermelho
Violeta (ou púrpura) - formado por azul e vermelho
Cor terciária é uma cor composta por uma cor primária e uma cor secundária. São ao todo seis cores, a saber:
Laranja = vermelho + amarelo
Oliva = verde + amarelo
Turquesa = verde + ciano
Celeste = azul + ciano
Violeta = azul + magenta
Cor de rosa = vermelho + magenta
CORES NEUTRAS . Na ciência das cores, duas cores são chamadas complementares se, quando misturadas, produzem o preto, o branco ou alguma graduação de cinza. Nos sistemas de cores mais perceptíveis, o branco está no centro do espectro e as cores complementares se situam uma ao lado oposto da outra. O exemplo mais claro é o sistema HSV, no qual as cores complementares estão em lados opostos no disco de cores.
MONOCROMIA - Radiação (ou luz) monocromática é a radiação produzida por apenas uma cor (em rigor, de apenas um comprimento de onda). O termo "monocromático" não é empregado para o preto (ausência de cor/luz) ou o branco (soma de todas as cores).
POLICROMIA – Policromia é o emprego de muitas cores num mesmo trabalho, formando um tom agradével (harmônico).
História Da Arte
As artes plásticas surgem na pré-história. Existem diversos exemplos da pintura rupestre em cavernas habitadas por humanos. Até os dias atuais há sempre uma necessidade de expressão artística utilizando novos meios. É nas artes plásticas que encontramos o uso De novos meios para a criação e apreciação estética. A Pré-história foi dividida em dois período: Período Paleolitico e Período Neolítico.
ARTE EGIPCIA
As artes no Egito Antigo estavam muito relacionadas com a vida religiosa. A maioria das estátuas, pinturas, monumentos e obras arquitetônicas estavam ligados, direta ou indiretamente, aos temas religiosos.
Pintura EgípciaGrande parte das pinturas eram feitas nas paredes das pirâmides. Estas obras retratavam a vida dos faraós, as ações dos deuses, a vida após a morte entre outros temas da vida religiosa. Estes desenhos eram feitos de maneira que as figuras eram mostradas de perfil. Os egípcios não trabalhavam com a técnica da perspectiva (imagens tridimensionais). Os desenhos eram acompanhados de textos, feitos em escrita hieroglífica (as palavras e expressões eram representadas por desenhos). As tintas eram obtidas na natureza (pó de minérios, substâncias orgânicas, etc). Escultura EgípciaNas tumbas de diversos faraós foram encontradas diversas esculturas do ouro. Os artistas egípcios conheciam muito bem as técnicas de trabalho artístico em ouro. Faziam estatuetas representando deuses e deusas da religião politeísta egípcia. O ouro também era utilizado para fazer máscaras mortuárias que serviam de proteção para o rosto da múmia.Arquitetura EgípciaOs egípcios desenvolveram vários conhecimentos matemáticos. Com isso, conseguiram erguer obras que sobrevivem até os dias de hoje. Templos, palácios e pirâmides foram construídos em homenagem aos deuses e aos faraós. Eram grandiosos e imponentes, pois deviam mostrar todo poder do faraó. Eram construídos com blocos de pedra, utilizando-se mão-de-obra escrava para o trabalho pesado. Ficando assim conhecida como ARTE MORTUÁRIA.
ARTE GRECO-ROMANA
Antiguidade Clássica é o estilo artístico predominante na Grécia Antiga entre o século VI e IV a.C. O estilo clássico veio substituir o arcaico, que era baseado na tradição religiosa pré-democrática e que tinha por característica imagens geometrizadas e pouco naturalistas.
Com o advento de uma sociedade mais laica e ligada ao pensamento filosófico, os artistas tiveram que buscar uma solução que ligasse o Divino (pois a arte ainda era encomendada para representar deuses e motivos religiosos) ao Humano (novo campo de interesse ligado à política democrática da Pólis e de pensadores como os sofistas e os filósofos, preocupados em compreender a relação entre o homem e o universo). Nesse contexto, construíram uma estética naturalista mas idealizada, baseada em cânones que eram a média das características físicas das pessoas mais belas.
Predominaram na época os nus masculinos (que eram visto como o centro das atrações) e a representação de atletas, como o Hermes e Dionísio de Praxíteles ou o Discóbolo. Fídias foi um grande expoente da arte do período, supervisionando o entalhe das esculturas que adornavam o frontão do Partenon, em Atenas.
A pintura, na Grécia antiga, foi em geral associada a outras formas de arte, como a cerâmica, a estatuária e a arquitetura., onde retratavam cenas do dia a dia. Ao contrário do caso da pintura cerâmica, restam pouquíssimos exemplos de pintura mural ou de painel, e a maior parte do que se sabe sobre esta forma de expressão plástica deriva de fontes literárias antigas e algumas cópias romanas.
ARTE BIZANTINA
A formação da arte bizantina deu-se no período constantiniano, quando vários elementos se combinaram para dar forma a um estilo bizantino, mais presente nas criações arquitetônicas, já que pouco resta da pintura, da escultura e dos mosaicos da época. A arte bizantina está dirigida pela religião; ao clero cabia, além das suas funções, organizar também as artes, tornando os artistas meros executores.O regime era teocrático e o imperador possuía poderes administrativos e espirituais; era o representante de Deus, tanto que se convencionou representá-lo com uma auréola sobre a cabeça, e, não raro encontrar um mosaico onde esteja juntamente com a esposa, ladeando a Virgem Maria e o Menino Jesus.
O mosaico é expressão máxima da arte bizantina e não se destinava apenas a enfeitar as paredes e abóbadas, mas instruir os fiéis mostrando-lhes cenas da vida de Cristo, dos profetas e dos vários imperadores.Plasticamente, o mosaico bizantino em nada se assemelha aos mosaicos romanos; são confeccionados com técnicas diferentes e seguem convenções que regem inclusive os afrescos. Neles, por exemplo, as pessoas são representadas de frente e verticalizadas para criar certa espiritualidade; a perspectiva e o volume são ignorados e o dourado é demasiadamente utilizado devido à associação com maior bem existente na terra: o ouro.
ARTE GÓTICA
No século XII, entre os anos 1150 e 1500, tem início uma economia fundamentada no comércio. Isso faz com que o centro da vida social se desloque do campo para a cidade e apareça a burguesia urbana. No começo do século XII, a arquitetura predominante ainda é a românica, mas já começaram a aparecer as primeiras mudanças que conduziram a uma revolução profunda na arte de projetar e construir grandes edifícios.
ARQUITETURA
A primeira diferença que notamos entre a igreja gótica e a românica é a fachada. Enquanto, de modo geral, a igreja românica apresenta um único portal, a igreja gótica tem três portais que dão acesso à três naves do interior da igreja: a nave central e as duas naves laterais. A arquitetura expressa a grandiosidade, a crença na existência de um Deus que vive num plano superior; tudo se volta para o alto, projetando-se na direção do céu, como se vê nas pontas agulhadas das torres de algumas igrejas góticas. A rosácea é um elemento arquitetônico muito característico do estilo gótico e está presente em quase todas as igrejas construídas entre os séculos XII e XIV. Outros elementos característicos da arquitetura gótica são os arcos góticos ou ogivais e os vitrais coloridíssimos que filtram a luminosidade para o interior da igreja. As catedrais góticas mais conhecidas são: Catedral de Notre Dame de Paris e a Catedral de Notre Dame de Chartres.
ESCULTURA
As esculturas estão ligadas à arquitetura e se alongam para o alto, demonstrando verticalidade, alongamento exagerado das formas, e as feições são caracterizadas de formas a que o fiel possa reconhecer facilmente a personagem representada, exercendo a função de ilustrar os ensinamentos propostos pela igreja.. A pintura gótica desenvolveu-se nos séculos XII, XIV e no início do século XV, quando começou a ganhar novas características que prenunciam o Renascimento. Sua principal particularidade foi a procura o realismo na representação dos seres que compunham as obras pintadas, quase sempre tratando de temas religiosos, apresentava personagens de corpos pouco volumosos, cobertos por muita roupa, com o olhar voltado para cima, em direção ao plano celeste.
Os principais artistas na pintura gótica são os verdadeiros precursores da pintura do Renascimento (Duocento):
* Giotto - a característica principal do seu trabalho foi a identificação da figura dos santos com seres humanos de aparência bem comum. E esses santos com ar de homem comum eram o ser mais importante das cenas que pintava, ocupando sempre posição de destaque na pintura. Assim, a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo, que vai cada vez mais se firmando até ganhar plenitude no Renascimento.
Obras destacadas: Afrescos da Igreja de São Francisco de Assis (Itália) e Retiro de São Joaquim entre os Pastores
terça-feira, 17 de novembro de 2009
segunda-feira, 26 de outubro de 2009
PROJETO TEATRO
TEATRO NA ESCOLA
PROFESSORES REGENTES:
• LUZIA DE FATIMA LAYOLA NUNES
• EMAIL: luzzia_layola@hotmail.com
• BLOG: http://llayolartes.blogspot.com/
• ROSANA MONTOVANI
•EMAIL: Rosana.mantovani@uol.com
INTRODUÇÃO:
• O TEATRO NA EDUCAÇÃO TEM COMO PAPEL TRAZER PARA A SALA DE AULA AS TÉCNICAS DO TEATRO E APLICÁLAS NA COMUNICAÇÃO DO CONHECIMENTO. TANTO FAZ O ALUNO ESTAR COMO ESPSCTADOR OU FIGURANTE, O TEATRO SE TORNA FORTE INSTRUMENTO PADAGÓGICO, POIS COMO MÉTODO PODE SER BASTANTE EFICAZ PARA ENTENDER UM DETERMINADO TEMA, ALÊM DE FAZÊ-LO REFLETIR SOBRE UMA QUESTÃO MORAL ATRAVÉS DO IMPACTO EMOCIONAL QUE LHE É CAUSADO. DESSA FORMA, PODEM-SE ANALISAR OS ASPECTOS PRÁTICOS, DE SUA UTILIZAÇÃO PELO ORIENTADOR EDUCACIONAL.
A UTILIZAÇÃO DO TEATRO PODE E DEVE SE CONSTITUIR NUM INSTRUMENTO DE TRANSFORMAÇÃO DA SOCIEDADE, INDEPENDENTE DE ONDE ESTA ATIVIDADE TEATRAL ESTEJA SENDO REALIZADA.
APRENDER É UMA ATIVIDADE ÚTIL E NECESSÁRIA, PORÉM SOMENTE A DIVERSÃO É ABSOLUTAMENTE AGRADAVÉL. SE FOSSE POSSÍVEL ENTÃO UNIR O ATO DE APRENDER E O ATO DE DIVERTIR, A SALA DE AULA SERIA UM LOCAL MAIS PROPENSO PARA UMA APRENDIZAGEM MAIS PRAZEROSA.
NÃO CABE AO TEATRO PEDAGÓGICO FORMAR ATOR E ATRIZES EM SALA DE AULA, POIS PARA ISSO EXISTEM AS ESCOLAS DE TEATRO E OFICINAS. O QUE O EDUCADOR DEVE BUSCAR COM TAL MÉTODO É A TRANSFORMAÇÃO DO APRENDIZADO DENTRO DO EDUCANDO INSERINDO-O NO UNIVERSO DRAMÁTICO LEVANDO-O A COMPREENDER O TEATRO COMO ALGO QUE PROVOQUE QUESTIONAMENTO E ELIMINE DÚVIDAS.
UMA VEZ QUE A ATIVIDADE TEATRAL ESTÁ INSERIDA NO UNIVERSO ESCOLAR E ESTA ENTUSIAMADA A TODOS HÁ DE SER PERCEBER QUE TAL INSTRUMENTO PASSARÁ A SER MAIS USADO E QUESTIONADO. NÃO É NECESSÁRIO QUE SE BUSQUE A PERFEIÇÃO QUE O TEATRO AMADOR OU PROFISSIONAL EXERCEM, MAS É IMPORTANTE TER A CONCIÊNCIA DE QUE O PRODUTO FINAL QUE AMBOS, PROFESSOR E ALUNO DEVEM TER COMO OBJETIVO É O QUE VAI SER MOSTRADO E NÃO COMO VAI SER MOSTRADO.
TENDO COMO ELEMENTO NORTEADOR O COTIDIANO, PODE SE DISCUTIR ATRAVÉS DO TEATRO QUALQUER COISA. POIS, NÃO É INTENÇÃO APENAS FACILITAR O APRENDIZADO DAS DISCIPLINAS, MAS ABRIR DISCUSSÃO ACRECA DAS QUESTÕES MAIS INQUEITANTES DO SER HUMANO. ASSIM O TEATRO CONTRIBUE PARA A TRANSFORMAÇÃO DE UM NOVO MUNDO. SE AS ESCOLAS PÚBLICAS INCORPORASSEM A PROPOSTA DO TEATRO COMO PRATICA PEDAGOGICA PARA EDUCAÇÃO, CONTRIBUIRIA PARA O APERFEICOAMENTO DOS PROFESSORES NO QUE DIZ RESPEITO À METODOLOGIA DE ENSINO. OS ALUNOS SE SENTIRIAM IMPORTANTE SE OS COLOCASSEM COMO FERRAMENTAS IMPORTANTES PARA A CONSTRUÇÃO DO CONHECIMENTO A PARTIR DOS PROCESSOS DIDÁTICOS. ASSIM, ELES SE SENTIRIAM MAIS ESTIMULADOS E PARTICIPARIAM COM MAIS FREQUENCIA ÀS AULAS. ASSIM ALUNOS E PROFESSORES ESTARIAM MAIS PRÓXIMOS NO QUE DIZ RESPEITO À CONSTRUÇÃO DO CONHECIMENTO.
OBJETIVO:
• O PROJETO TEM POR OBJETIVO RETRATAR OS BENEFICIOS PARA O ENSINO DO TEATRO NA EDUCAÇÃO ESCOLAR NA ATUALIDADE. INICIALMENTE, SITUA-SE-Á O ESPAÇO QUE AINDA DEVE SER ALCANÇADO PELA ATIVIDADE TEATRAL NO ÂMBITO ESCOLAR EDUCACIONAL, POIS, NÃO HÁ DUVIDAS DE QUE ELA PODE SER MUITO ÚTIL NA PRATICA EDUCANDÁRIA, APESAR DE SER POUCO UTILIZADA. APRESENTAR-SE-ÃO, TAMBÉM, AS POSSÍVEIS CONTRIBUIÇÕES DO DESENVOLVIMENTO DE PROPOSTAS PEDAGOGICAS PARA O ENSINO DO TEATRO NA ESCOLA, VISTO QUE O MUNDO ATUAL HÁ UMA EXIGENCIA MAIOR PARA QUE OS INDIVÍDUOS SAIBAM LIDAR COM AS COM AS MAIS DIVERSAS SITUAÇÕES.
• APREENDER O IMAGINÁRIO DO GRUPO E NADA MAIS PROPICIA DO QUE UMA PRATICA QUE PERMITE EMERGIR O PENSAR, O SENTIR E O AGIR DURANTE A ENCENAÇÃO DA PEÇA, DESCOBRINDO O MUNDO LÚDICO QUE O ENVOLVE, DENTRE OUTRAS ATIVIDADES, O CONHECIMENTO DO CORPO, DO ESPAÇO, DA VOZ, OS GESTOS, A CONCENTRAÇÃO, A RESPIRAÇÃO O SABER VER E OUVIR, EFIM O IMAGINÁRIO DE TODOS E DE CADA UM.
METODOLOGIA:
ORIGEM DO TEATRO;
• PESQUISAR COM OS ALUNOS SCRIPT DE PEÇAS TEATRAIS,
• ANALISAREM CADA UMA DELAS;
• DIFERENTES TIPOS DE TEATROS.
ÁREA TRABALHADA:
• ARTES
SÉRIE/ TURMA/ TURNO:
• 1º AO 9º ANO DO ENSINO FUNDAMENTAL;
DO PERIODO MATUTINO E VESPERTINO.
EQUIPE DE APOIO:
• PROFESSORES DA STE:
• JOICENIR SOVERNIGO LOPES;
EMAIL: joicelopes_17@hotmail.com
BLOG: http://artes-13.blogspot.com
• HECTOR ROGÉRIO MONZANI.
COORDENAÇÃO PEDAGÓGICA:
•
ADAUTO ALVES TEIXEIRA;
• SUELI PACHECO
DIREÇÃO:
•
CECILIA WELTER LEDESMA
NÚMEROS DE AULAS:
• 10 AULAS
PERÍODO DE EXECUSÃO:
• INÍCIO - 08/09/2009
• TÉRMINO – 08/10/2009
TOTAL DE PARTICIPANTES:
• 500 ALUNOS
ATIVIDADES DESENVOLVIDAS:
• PESQUISA,
• ENSAIO,
• CONFECÇÃO DE MATERIAL.
CRONOGRAMA DE EXECUÇÃO:
• TODAS AS ATIVIDADES DE PESQUISA FORAM REALIZADAS NA SALA DE TECNOLIGIA, E EM SALA DE AULA, A REPRESENTAÇÃO DAS PEÇAS FOI REALIZADA NO ANFITEATRO DA ESCOLA MUNICIPAL PROFESSOR SALVADOR NOGUEIRA.
PRODUTO FINAL:
• APRESENTAÇÃO DA PEÇA.
AVALIAÇÃO:
• DE ACORDO COM A PARTICIPAÇÃO, INTERESSE, DESENVOLTURA, SENSIBILIDADE, PERCEPÇÃO, REFLEXÃO, IMAGINAÇÃO E SOCIALIZAÇÃO DE CADA PARTICIPANTE.
PROFESSORES REGENTES:
• LUZIA DE FATIMA LAYOLA NUNES
• EMAIL: luzzia_layola@hotmail.com
• BLOG: http://llayolartes.blogspot.com/
• ROSANA MONTOVANI
•EMAIL: Rosana.mantovani@uol.com
INTRODUÇÃO:
• O TEATRO NA EDUCAÇÃO TEM COMO PAPEL TRAZER PARA A SALA DE AULA AS TÉCNICAS DO TEATRO E APLICÁLAS NA COMUNICAÇÃO DO CONHECIMENTO. TANTO FAZ O ALUNO ESTAR COMO ESPSCTADOR OU FIGURANTE, O TEATRO SE TORNA FORTE INSTRUMENTO PADAGÓGICO, POIS COMO MÉTODO PODE SER BASTANTE EFICAZ PARA ENTENDER UM DETERMINADO TEMA, ALÊM DE FAZÊ-LO REFLETIR SOBRE UMA QUESTÃO MORAL ATRAVÉS DO IMPACTO EMOCIONAL QUE LHE É CAUSADO. DESSA FORMA, PODEM-SE ANALISAR OS ASPECTOS PRÁTICOS, DE SUA UTILIZAÇÃO PELO ORIENTADOR EDUCACIONAL.
A UTILIZAÇÃO DO TEATRO PODE E DEVE SE CONSTITUIR NUM INSTRUMENTO DE TRANSFORMAÇÃO DA SOCIEDADE, INDEPENDENTE DE ONDE ESTA ATIVIDADE TEATRAL ESTEJA SENDO REALIZADA.
APRENDER É UMA ATIVIDADE ÚTIL E NECESSÁRIA, PORÉM SOMENTE A DIVERSÃO É ABSOLUTAMENTE AGRADAVÉL. SE FOSSE POSSÍVEL ENTÃO UNIR O ATO DE APRENDER E O ATO DE DIVERTIR, A SALA DE AULA SERIA UM LOCAL MAIS PROPENSO PARA UMA APRENDIZAGEM MAIS PRAZEROSA.
NÃO CABE AO TEATRO PEDAGÓGICO FORMAR ATOR E ATRIZES EM SALA DE AULA, POIS PARA ISSO EXISTEM AS ESCOLAS DE TEATRO E OFICINAS. O QUE O EDUCADOR DEVE BUSCAR COM TAL MÉTODO É A TRANSFORMAÇÃO DO APRENDIZADO DENTRO DO EDUCANDO INSERINDO-O NO UNIVERSO DRAMÁTICO LEVANDO-O A COMPREENDER O TEATRO COMO ALGO QUE PROVOQUE QUESTIONAMENTO E ELIMINE DÚVIDAS.
UMA VEZ QUE A ATIVIDADE TEATRAL ESTÁ INSERIDA NO UNIVERSO ESCOLAR E ESTA ENTUSIAMADA A TODOS HÁ DE SER PERCEBER QUE TAL INSTRUMENTO PASSARÁ A SER MAIS USADO E QUESTIONADO. NÃO É NECESSÁRIO QUE SE BUSQUE A PERFEIÇÃO QUE O TEATRO AMADOR OU PROFISSIONAL EXERCEM, MAS É IMPORTANTE TER A CONCIÊNCIA DE QUE O PRODUTO FINAL QUE AMBOS, PROFESSOR E ALUNO DEVEM TER COMO OBJETIVO É O QUE VAI SER MOSTRADO E NÃO COMO VAI SER MOSTRADO.
TENDO COMO ELEMENTO NORTEADOR O COTIDIANO, PODE SE DISCUTIR ATRAVÉS DO TEATRO QUALQUER COISA. POIS, NÃO É INTENÇÃO APENAS FACILITAR O APRENDIZADO DAS DISCIPLINAS, MAS ABRIR DISCUSSÃO ACRECA DAS QUESTÕES MAIS INQUEITANTES DO SER HUMANO. ASSIM O TEATRO CONTRIBUE PARA A TRANSFORMAÇÃO DE UM NOVO MUNDO. SE AS ESCOLAS PÚBLICAS INCORPORASSEM A PROPOSTA DO TEATRO COMO PRATICA PEDAGOGICA PARA EDUCAÇÃO, CONTRIBUIRIA PARA O APERFEICOAMENTO DOS PROFESSORES NO QUE DIZ RESPEITO À METODOLOGIA DE ENSINO. OS ALUNOS SE SENTIRIAM IMPORTANTE SE OS COLOCASSEM COMO FERRAMENTAS IMPORTANTES PARA A CONSTRUÇÃO DO CONHECIMENTO A PARTIR DOS PROCESSOS DIDÁTICOS. ASSIM, ELES SE SENTIRIAM MAIS ESTIMULADOS E PARTICIPARIAM COM MAIS FREQUENCIA ÀS AULAS. ASSIM ALUNOS E PROFESSORES ESTARIAM MAIS PRÓXIMOS NO QUE DIZ RESPEITO À CONSTRUÇÃO DO CONHECIMENTO.
OBJETIVO:
• O PROJETO TEM POR OBJETIVO RETRATAR OS BENEFICIOS PARA O ENSINO DO TEATRO NA EDUCAÇÃO ESCOLAR NA ATUALIDADE. INICIALMENTE, SITUA-SE-Á O ESPAÇO QUE AINDA DEVE SER ALCANÇADO PELA ATIVIDADE TEATRAL NO ÂMBITO ESCOLAR EDUCACIONAL, POIS, NÃO HÁ DUVIDAS DE QUE ELA PODE SER MUITO ÚTIL NA PRATICA EDUCANDÁRIA, APESAR DE SER POUCO UTILIZADA. APRESENTAR-SE-ÃO, TAMBÉM, AS POSSÍVEIS CONTRIBUIÇÕES DO DESENVOLVIMENTO DE PROPOSTAS PEDAGOGICAS PARA O ENSINO DO TEATRO NA ESCOLA, VISTO QUE O MUNDO ATUAL HÁ UMA EXIGENCIA MAIOR PARA QUE OS INDIVÍDUOS SAIBAM LIDAR COM AS COM AS MAIS DIVERSAS SITUAÇÕES.
• APREENDER O IMAGINÁRIO DO GRUPO E NADA MAIS PROPICIA DO QUE UMA PRATICA QUE PERMITE EMERGIR O PENSAR, O SENTIR E O AGIR DURANTE A ENCENAÇÃO DA PEÇA, DESCOBRINDO O MUNDO LÚDICO QUE O ENVOLVE, DENTRE OUTRAS ATIVIDADES, O CONHECIMENTO DO CORPO, DO ESPAÇO, DA VOZ, OS GESTOS, A CONCENTRAÇÃO, A RESPIRAÇÃO O SABER VER E OUVIR, EFIM O IMAGINÁRIO DE TODOS E DE CADA UM.
METODOLOGIA:
ORIGEM DO TEATRO;
• PESQUISAR COM OS ALUNOS SCRIPT DE PEÇAS TEATRAIS,
• ANALISAREM CADA UMA DELAS;
• DIFERENTES TIPOS DE TEATROS.
ÁREA TRABALHADA:
• ARTES
SÉRIE/ TURMA/ TURNO:
• 1º AO 9º ANO DO ENSINO FUNDAMENTAL;
DO PERIODO MATUTINO E VESPERTINO.
EQUIPE DE APOIO:
• PROFESSORES DA STE:
• JOICENIR SOVERNIGO LOPES;
EMAIL: joicelopes_17@hotmail.com
BLOG: http://artes-13.blogspot.com
• HECTOR ROGÉRIO MONZANI.
COORDENAÇÃO PEDAGÓGICA:
•
ADAUTO ALVES TEIXEIRA;
• SUELI PACHECO
DIREÇÃO:
•
CECILIA WELTER LEDESMA
NÚMEROS DE AULAS:
• 10 AULAS
PERÍODO DE EXECUSÃO:
• INÍCIO - 08/09/2009
• TÉRMINO – 08/10/2009
TOTAL DE PARTICIPANTES:
• 500 ALUNOS
ATIVIDADES DESENVOLVIDAS:
• PESQUISA,
• ENSAIO,
• CONFECÇÃO DE MATERIAL.
CRONOGRAMA DE EXECUÇÃO:
• TODAS AS ATIVIDADES DE PESQUISA FORAM REALIZADAS NA SALA DE TECNOLIGIA, E EM SALA DE AULA, A REPRESENTAÇÃO DAS PEÇAS FOI REALIZADA NO ANFITEATRO DA ESCOLA MUNICIPAL PROFESSOR SALVADOR NOGUEIRA.
PRODUTO FINAL:
• APRESENTAÇÃO DA PEÇA.
AVALIAÇÃO:
• DE ACORDO COM A PARTICIPAÇÃO, INTERESSE, DESENVOLTURA, SENSIBILIDADE, PERCEPÇÃO, REFLEXÃO, IMAGINAÇÃO E SOCIALIZAÇÃO DE CADA PARTICIPANTE.
TIPOS DE TEATROS:
Existem várias formas de teatro, entre elas o teatro de máscaras, de fantoches, de varas, de sombras e a pantomima, esses tipos são ricos em qualidade e em materiais utilizados, pois podem ser feitos com material reciclado, assim como material comprado, mas é muito visto e é recomendado pedagogicamente que o professor utilize material reciclado, para além de trabalhar as questões do conteúdo da peça, irá trabalhar os aspectos ambientais e sociais com as crianças.
• Teatro de Fantoches
As brincadeiras com fantoches permitem que a criança desenvolva a expressão oral e artística, pois os bonecos levam a criança sempre ao mundo da imaginação e do faz-de-conta.
Já os alunos maiores (geralmente do ensino fundamental), usam o fantoche para expressarem seus pensamentos de uma forma mais livre. Contam suas ações, seus desejos, aventuras, reproduzem fatos e histórias lidas e ouvidas do seu dia-a-dia.
O teatro de bonecos também estimula a criança a desenvolver a potencialidade da voz porque de acordo com o personagem representado, a criança pode falar grosso, fina, imitar sons de bichos, de elementos da natureza como, por exemplo, chuva e trovoadas, abrindo momentos lúdicos e sensórios. Elas começam a adequar a voz às diversas situações aliando o ritmo vocal ao gestual.
A criança ao ouvir aos mais diversos sons, ela provavelmente ouve com mais interesse o que os outros falam. Isso faz com que ela perceba a musicalidade de uma canção e o seu ritmo, sendo considerado um fator fundamental na educação da audição (sensorial).
Outro fato é que os bonecos confeccionados pelos alunos, mesmo que o professor participe da confecção, são mais adequados para o aprendizado do que os comprados prontos, pois quando eles mesmos criam os fantoches, passam a gostar mais deles unindo neste momento, três aspectos da educação: a expressão oral, a plástica e as emoções vivenciadas anteriormente.
Para a confecção dos fantoches é utilizada vários tipos de material inclusive sucata, que pode ser um recurso muito bem aproveitado e sem custos para o professor e para a escola, pois pode ser trazido pelos próprios alunos, o que tornaria a atividade de confeccioná-los ainda mais interessante.
Tudo poderá ser aproveitado. Tachinhas, fita crepe, latas, sacos, durex, esparadrapo, rolos de papel higiênico vazios, tintas, etc. Outro recurso é utilizar as próprias mãos como fantoches, não necessitando de um material elaborado. Basta desenhá-lo na própria mão com caneta esferográfica, carvão, tintas especiais, etc. O uso de várias cores tornará os bonecos mais alegres. Podem-se acrescentar acessórios às figuras enfeitando as mãos e os dedinhos das crianças. Como exemplo, lã, chapéu, meias, penas, etc. Outros tipos também são muito utilizados como mãos com luvas, costas das mãos, fantoches de copinhos, de meias, de garrafas e até mesmo de galhos de árvores e flores.
O professor deve incentivar os alunos a explorar todos os movimentos dos dedos, mãos e braços, criando uma atmosfera do conhecimento do próprio corpo. Para isso, a utilização de músicas populares, folclóricas ou clássicas é fundamental para que o trabalho com o fantoche seja desenvolvido, além do diálogo, desenvolvido entre os participantes.
• Teatro de Varas
Este teatro é uma variação do teatro de fantoches. È considerado um fantoche de vara. Os bonecos são mais simples, mais baratos e de confecção mais fácil. Sua característica principal é ser sustentada por uma vara. Podem ser confeccionadas com cartolinas, bolinhas de isopor, de papel, colher-de-pau, palitos de churrasco, garfos vestidos com roupas de pano, palitos de picolé, copinhos de plástico sustentados por palitos.
O fantoche de cone é um tipo de boneco muito encontrado em feiras livres e circos populares, podendo representar uma figura humana ou um animal, geralmente sobre a forma de um palhaço ou pierrô. É uma variação do fantoche de vara, basta segurá-los pela vareta e dar-lhes o movimento de acordo com a situação.
Existem várias formas de teatro, entre elas o teatro de máscaras, de fantoches, de varas, de sombras e a pantomima, esses tipos são ricos em qualidade e em materiais utilizados, pois podem ser feitos com material reciclado, assim como material comprado, mas é muito visto e é recomendado pedagogicamente que o professor utilize material reciclado, para além de trabalhar as questões do conteúdo da peça, irá trabalhar os aspectos ambientais e sociais com as crianças.
• Teatro de Fantoches
As brincadeiras com fantoches permitem que a criança desenvolva a expressão oral e artística, pois os bonecos levam a criança sempre ao mundo da imaginação e do faz-de-conta.
Já os alunos maiores (geralmente do ensino fundamental), usam o fantoche para expressarem seus pensamentos de uma forma mais livre. Contam suas ações, seus desejos, aventuras, reproduzem fatos e histórias lidas e ouvidas do seu dia-a-dia.
O teatro de bonecos também estimula a criança a desenvolver a potencialidade da voz porque de acordo com o personagem representado, a criança pode falar grosso, fina, imitar sons de bichos, de elementos da natureza como, por exemplo, chuva e trovoadas, abrindo momentos lúdicos e sensórios. Elas começam a adequar a voz às diversas situações aliando o ritmo vocal ao gestual.
A criança ao ouvir aos mais diversos sons, ela provavelmente ouve com mais interesse o que os outros falam. Isso faz com que ela perceba a musicalidade de uma canção e o seu ritmo, sendo considerado um fator fundamental na educação da audição (sensorial).
Outro fato é que os bonecos confeccionados pelos alunos, mesmo que o professor participe da confecção, são mais adequados para o aprendizado do que os comprados prontos, pois quando eles mesmos criam os fantoches, passam a gostar mais deles unindo neste momento, três aspectos da educação: a expressão oral, a plástica e as emoções vivenciadas anteriormente.
Para a confecção dos fantoches é utilizada vários tipos de material inclusive sucata, que pode ser um recurso muito bem aproveitado e sem custos para o professor e para a escola, pois pode ser trazido pelos próprios alunos, o que tornaria a atividade de confeccioná-los ainda mais interessante.
Tudo poderá ser aproveitado. Tachinhas, fita crepe, latas, sacos, durex, esparadrapo, rolos de papel higiênico vazios, tintas, etc. Outro recurso é utilizar as próprias mãos como fantoches, não necessitando de um material elaborado. Basta desenhá-lo na própria mão com caneta esferográfica, carvão, tintas especiais, etc. O uso de várias cores tornará os bonecos mais alegres. Podem-se acrescentar acessórios às figuras enfeitando as mãos e os dedinhos das crianças. Como exemplo, lã, chapéu, meias, penas, etc. Outros tipos também são muito utilizados como mãos com luvas, costas das mãos, fantoches de copinhos, de meias, de garrafas e até mesmo de galhos de árvores e flores.
O professor deve incentivar os alunos a explorar todos os movimentos dos dedos, mãos e braços, criando uma atmosfera do conhecimento do próprio corpo. Para isso, a utilização de músicas populares, folclóricas ou clássicas é fundamental para que o trabalho com o fantoche seja desenvolvido, além do diálogo, desenvolvido entre os participantes.
• Teatro de Varas
Este teatro é uma variação do teatro de fantoches. È considerado um fantoche de vara. Os bonecos são mais simples, mais baratos e de confecção mais fácil. Sua característica principal é ser sustentada por uma vara. Podem ser confeccionadas com cartolinas, bolinhas de isopor, de papel, colher-de-pau, palitos de churrasco, garfos vestidos com roupas de pano, palitos de picolé, copinhos de plástico sustentados por palitos.
O fantoche de cone é um tipo de boneco muito encontrado em feiras livres e circos populares, podendo representar uma figura humana ou um animal, geralmente sobre a forma de um palhaço ou pierrô. É uma variação do fantoche de vara, basta segurá-los pela vareta e dar-lhes o movimento de acordo com a situação.
• Pantomima
A pantomima pode ser considerada um jogo teatral que é realizado por cenas de ação dramática que se caracterizam por explicação da ação através do gesto. Podemos exemplificar essa afirmação através deste exemplo: a primeira atividade proposta foi a de arrumar uma casa; os elementos foram entrando e ordenando aos cantos da casa, e ao final cada um estava fazendo alguma coisa - ou lendo um livro, ou cozinhando, ou escutando música. A atividade do segundo jogo era colocar água num copo e bebê-la. Mas, assim que subiram mais jogadores ao palco estourou-se a disputa pela água. No terceiro jogo, a atividade era tocar um instrumento, e os jogadores subiam ao palco tocando cada um seu instrumento, até que um dos participantes regeu a orquestra, que passou a existir em função do estabelecimento de uma ordem mais ampla, fixando uma relação lógica da cena. Algo mais próximo ao jogo da atividade foi atingido quando um dos jogadores subiu ao palco e propôs atividades de “tecer”. Mas ainda que o grupo elaborasse uma cenografia, configurando uma oficina de tecelagem, na qual eram desenvolvidas as mais diferentes atividades, desde dobrar panos até crochê ou costura a máquina. Somente numa fase posterior, quando voltamos ao jogo da atividade, o grupo manteve o foco solicitado pelo jogo.
Quando o foco na atividade foi descoberto pelo grupo, houve seleção e detalhamento no gesto, o que provocou uma modificação na atuação. Em comparação com o primeiro momento, quando há disputa pela água gerava um clima quase frenético, demonstrando a preocupação de fazer alguma coisa no palco, o segundo revelava um relaxamento de tensão, o que favorecia o surgimento de ações improvisadas. As imposições individuais e a linearidade da narrativa cederam lugar à autenticidade do jogo.
Pantomima resume-se ao:
Uso de caricaturas,
Dramatização (exemplo: Charles Chapem);
Uso de características fortes sem uso de palavras,
Ás vezes tem um contexto social,
Usado muito em aulas de teatro,
Tem como objetivos: diversão, socialização, coordenação motora e aprender a usar o corpo como um todo.
A pantomima pode ser considerada um jogo teatral que é realizado por cenas de ação dramática que se caracterizam por explicação da ação através do gesto. Podemos exemplificar essa afirmação através deste exemplo: a primeira atividade proposta foi a de arrumar uma casa; os elementos foram entrando e ordenando aos cantos da casa, e ao final cada um estava fazendo alguma coisa - ou lendo um livro, ou cozinhando, ou escutando música. A atividade do segundo jogo era colocar água num copo e bebê-la. Mas, assim que subiram mais jogadores ao palco estourou-se a disputa pela água. No terceiro jogo, a atividade era tocar um instrumento, e os jogadores subiam ao palco tocando cada um seu instrumento, até que um dos participantes regeu a orquestra, que passou a existir em função do estabelecimento de uma ordem mais ampla, fixando uma relação lógica da cena. Algo mais próximo ao jogo da atividade foi atingido quando um dos jogadores subiu ao palco e propôs atividades de “tecer”. Mas ainda que o grupo elaborasse uma cenografia, configurando uma oficina de tecelagem, na qual eram desenvolvidas as mais diferentes atividades, desde dobrar panos até crochê ou costura a máquina. Somente numa fase posterior, quando voltamos ao jogo da atividade, o grupo manteve o foco solicitado pelo jogo.
Quando o foco na atividade foi descoberto pelo grupo, houve seleção e detalhamento no gesto, o que provocou uma modificação na atuação. Em comparação com o primeiro momento, quando há disputa pela água gerava um clima quase frenético, demonstrando a preocupação de fazer alguma coisa no palco, o segundo revelava um relaxamento de tensão, o que favorecia o surgimento de ações improvisadas. As imposições individuais e a linearidade da narrativa cederam lugar à autenticidade do jogo.
Pantomima resume-se ao:
Uso de caricaturas,
Dramatização (exemplo: Charles Chapem);
Uso de características fortes sem uso de palavras,
Ás vezes tem um contexto social,
Usado muito em aulas de teatro,
Tem como objetivos: diversão, socialização, coordenação motora e aprender a usar o corpo como um todo.
• Teatro de Máscaras
As crianças gostam muito de vestir máscaras, principalmente de super-heróis que elas vêem na TV. O importante é deixar que elas confeccionem as máscaras em sala de aula ou no pátio da escola.
Para a confecção, podem-se usar sacos de papel, cartolinas, tecidos, tintas, pratos de papelão, jornal, material de sucata, etc. Esta atividade não é difícil de ser executada e será prazerosa para as crianças, pois elas poderão representar uma história com um material que elas mesmas elaboraram, pois estarão criando e recriando à sua própria dialética.
O teatro de máscaras promove a recreação, o jogo, à socialização, melhoria na fala da criança, desinibirá dos alunos mais tímidos.
Quando o trabalho em aula exigir o uso da palavra, a máscara a ser utilizada é aquela que cobre os olhos e o nariz deixando a boca livre, permitindo que a voz saia clara, exibindo a sua expressão verbal. As crianças representando com o rosto oculto, se permitem viver o enredo dos próprios personagens e o cotidiano social a que pertence.
As crianças gostam muito de vestir máscaras, principalmente de super-heróis que elas vêem na TV. O importante é deixar que elas confeccionem as máscaras em sala de aula ou no pátio da escola.
Para a confecção, podem-se usar sacos de papel, cartolinas, tecidos, tintas, pratos de papelão, jornal, material de sucata, etc. Esta atividade não é difícil de ser executada e será prazerosa para as crianças, pois elas poderão representar uma história com um material que elas mesmas elaboraram, pois estarão criando e recriando à sua própria dialética.
O teatro de máscaras promove a recreação, o jogo, à socialização, melhoria na fala da criança, desinibirá dos alunos mais tímidos.
Quando o trabalho em aula exigir o uso da palavra, a máscara a ser utilizada é aquela que cobre os olhos e o nariz deixando a boca livre, permitindo que a voz saia clara, exibindo a sua expressão verbal. As crianças representando com o rosto oculto, se permitem viver o enredo dos próprios personagens e o cotidiano social a que pertence.
• Teatro de Sombras
Este tipo de teatro ainda é pouco conhecido no Brasil. É uma atividade muito divertida que estimula a criatividade da criança.
Para realizar o teatro de sombras é necessário ter como material: uma fonte luminosa, uma tela (ou um lençol bem esticado) e silhuetas para serem projetadas.
As lâmpadas indicadas são as de 40 ou 60 watts, transparentes, dentro de latas de óleo para possibilitar a concentração da luz.
A tela deve ser de um tecido totalmente branco e não transparente.
Como silhueta, pode-se usar fantoches de varas recortados em papel cartão, cartolina ou papel grosso. Pode-se também utilizar outros objetos. Os fantoches movimentam-se atrás do papel, projetando a sombra. As crianças ficam atrás do palco interpretando a história, participando na movimentação dos bonecos, além de poderem confeccionar o material do teatro.
Outra atividade relacionada ao teatro de sombras são as sombras feitas através das mãos onde se projetam com elas, as sombras numa parede, formando figuras de animais em movimento como abrindo e fechando as asas, a boca, mexendo as orelhas.
Cada aluno cria as mais diversas figuras, compara-as com as dos colegas, fala sobre as sombras projetadas.
O teatro de sombras proporciona o desenvolvimento da criatividade e da motricidade das mãos na criança, importante no período da pré-escola e da alfabetização.
Para que aconteça o teatro de sombras com as mãos, é necessário que o ambiente esteja escuro, iluminado somente com uma lâmpada ou uma vela acesa.
OS BENEFÍCIOS DO USO DO TEATRO NA EDUCAÇÃO
As técnicas do teatro têm forte papel no desenvolvimento das atividades com as crianças ou até mesmo os adolescentes, pois com elas propiciamos que eles desenvolvam suas capacidades intelectuais como: a criatividade, a espontaneidade, a observação, a percepção, o relacionamento social, inatas no ser humano, e que são estimuladas ainda mais com o teatro.
Além do mais a arte de interpretar, ou seja, o teatro tem papel importante na vida das pessoas, pois conforme a lei que o ampara e as demais formas de artes, eles representariam o centro de todos os processos biológicos e sociais do indivíduo na sociedade e que se constituem no meio para se estabelecer o equilíbrio entre o ser humano e o mundo nos momentos mais críticos e importantes da vida, portanto, o teatro como as demais artes têm papel fundamental no desenvolvimento do ser humano, pois lhe traz muitos benefícios, como servir como uma válvula de escape na vida, além claro de servir de entretenimento.
O teatro permite o compartilhamento do saber, das descobertas, das idéias, porque a encenação envolve tanto quem assiste quanto, principalmente, quem participa da peça, e que busca o entendimento do personagem, do contexto histórico, se for o caso de uma interpretação de uma obra ou fato histórico e/ou criação de uma história. Segundo Paulo Araújo, “o contato com a linguagem teatral ajuda crianças e adolescente a perder continuamente a timidez, a desenvolver e priorizar a noção do trabalho em grupo, a se sair bem de situações onde é exigido o improviso e a se interessar mais por textos e autores variados.” (Revista Nova Escola, ed. 170).
O teatro permite chegar ao ser humano de forma a tocá-lo no seu interior, deixando as marcas dos sentimentos expressados na peça teatral. Uma criança, por exemplo, consegue ter um aprendizado mais significativo vendo e participando de fatos, mesmo acontecendo em outras épocas, pois, o teatro permite essa vivência.
Dentro da sala aula o teatro é um recurso que possibilita infinitas formas de aprendizagem, podendo ser utilizado em todas as disciplinas além, das oficinas teatrais que se pode fazer dentro da escola. Com certeza o jogo teatral é um grande aliado do ensino-aprendizado, dando suporte para variadas construções desde âmbitos culturais até políticos, abrangendo todas as disciplinas, e nas escolas públicas há uma diversidade de crenças, de ideais, de realidades, de pluralidade, e é um dos melhores locais para se explorar, pois a troca de opinião possibilita uma enorme aprendizagem.
Conforme os estudos de J. Piaget, Vygotsky e Colem o teatro traz ao ensino vantagens no que diz respeito ao desenvolvimento cognitivo do aluno, na sua formação enquanto ser humano e o auxilia na perda de sua timidez, além de proporcionar as crianças o contato com as diferenças e com o trabalho em grupo, lhe ensinando o respeito à vez do outro, entre tantos outros benefícios de âmbito cultural e físico, pois com o teatro a criança desenvolve sua voz, seu olhar, seus gestos, movimentos, equilíbrio, flexibilidade, expressão corporal e verbal, ou seja, o trabalho com teatro além de ser prazeroso, é rico em benefícios à educação, e quem trabalha garante, não há quem não goste, pois sempre aprendemos e conhecemos melhor os alunos que estamos trabalhando.
ORIGEM DO TEATRO
Nos primórdios das civilizações primitivas, existiam crendices de que as danças e encenações eram favoráveis ao fortalecimento de poderes sobrenaturais para controle dos fatos do dia-a-dia, e utilizavam esses rituais para homenagear os deuses e os heróis da época, e na Grécia Antiga por volta do século IV a. Cesses ritual era em honra ao Deus Dionísio – deus do vinho e da alegria, até mesmo por se tratarem de cerimoniais com muita dança e festividade.
O teatro é uma das várias formas de artes que existem assim como a dança, e tem muitos fins, como o entretenimento, o simples prazer de exercer alguma atividade artística ou de expressão corporal e, por que não a educação, seja ela apenas cultural ou não.
No Brasil, a atividade de teatro no meio educacional se deu com os jesuítas que a utilizavam para catequizar os índios que aqui habitavam, e através dessa iniciativa a arte de interpretar começou a se dissolver nos ares da educação, sendo que hoje ele é utilizado para trabalhar as diversas áreas do conhecimento científico como a literatura, a história, o português, a língua estrangeira, a física e as demais áreas.
Essa arte tem um potencial de trabalho maravilhoso, pois além de trabalhar o corpo do aluno, ele age na mente e na alma deles, auxiliando suas relações, suas descobertas, sua postura entre outros.
Como vêem essa arte além de ser uma forma de cultura, serve como ferramenta para auxiliar na construção do conhecimento dos alunos, por seu estilo alegre e descontraído faz com que os alunos ao se prepararem para encenar ou ver uma peça de teatro, construa seu conhecimento de forma mais alegre e com bom humor, sendo assim o aprendizado será lembrado por mais tempo e como algo bom que aconteceu.
domingo, 25 de outubro de 2009
quinta-feira, 8 de outubro de 2009
SEMANA DO TRÂNSITO
TÍTULO DO PROJETO: TRÂNSITO NA ESCOLA
PROFESSORES REGENTES:
• JACKSON RODRIGO MORAIS DE SOUZA
• EMAIL: smrj1@hotmail.com
• BLOG: http://jacckson.blogspot.com/
• LUZIA DE FATIMA LAYOLA NUNES
• EMAIL: luzzia_layola@hotmail.com
• BLOG: http://llayolartes.blogspot.com/
• SAULO ABREU
• EMAIL: Saulo_dourados@hotmail.com
• ROSANA MONTOVANI
•EMAIL: Rosana.mantovani@uol.com
PROFESSORES COLABORADORES:
• ADELIR, ALENIR, ARACI, ÁUREA;
• CÂNDIDA, CELI, CLENI, DALVA;
• ELIANE, LÍDIA;
• MARIA CONCEIÇÃO, MAURÍCIO;
• REGIANE, REGINA, RITA.
• SOELI, SUZANA;
• VANILZA.
ÁREA DE CONHECIMENTO:
• ARTES;
• EDUCAÇÃO FÍSICA.
SÉRIE/ TURMA/ TURNO:
• DO 1º AO 9º ANO DO ENSINO FUNDAMENTAL ;
• DO PERIODO MATUTINO E VESPERTINO.
EQUIPE DE APOIO:
• PROFESSORES DA STE:
• JOICENIR SOVERNIGO LOPES;
EMAIL: joicelopes_17@hotmail.com
BLOG: http://artes-13.blogspot.com
• HECTOR ROGÉRIO MONZANI.
COORDENAÇÃO PEDAGÓGICA:
• ADAUTO ALVES TEIXEIRA;
• PAULO ZORZANELLO;
• WILSON FERRÉ.
DIREÇÃO:
• CECILIA WELTER LEDESMA
NÚMERO DE AULAS:
• 25 AULAS
PERIODO DE EXECUÇÃO:
•INÍCIO:18/09/2009
TÉRMINO: 25/09/2009
DURAÇÃO EM AULAS:
.20 HORAS
TOTAL DE PARTICIPANTES:
• 500 ALUNOS
TIPOS DE ATIVIDADES DESENVOLVIDAS:
• PALESTRAS;
• VÍDEO-CLIPE;
• PASSEIO EM FRENTE À ESCOLA ;
• SIMULAÇÕES DE SITUAÇÕES NO TRÂNSITO.
OBJETIVOS:
• EDUCAR E ORIENTAR PARA A FORMAÇÃO DE CRIANÇAS CONSCIENTES QUANTO AO SEU PAPEL COMO PEDESTRE E CICLISTA, SENDO MULTIPLICADORES DE INFORMAÇÕES AOS SEUS PAIS ENQUANTO MOTORISTAS.
DESCRIÇÃO DAS ATIVIDADES DESENVOLVIDAS:
• CONFECÇÕES DE CARRINHOS;
• PLACAS DE TRÂNSITO;
• SEMÁFARO;
• FAIXA DE SEGURANÇA;
• DESFILE COM OS CARRINHOS SEGUINDO AS LEIS DO TRÂNSITO;
• ESCOLHA DO CARRINHO MAIS CRIATIVO;
• PALESTRA COM O SARGENTO DA POLICIA MILITAR;
• DEMONSTRAÇÃO DO BAFÔMETRO;
• DEMONSTRAÇÃO DE ABORDAGEM DE VEÍCULO COM COMPORTAMENTO ERRADO COMO (motorista falando no celular,crianças com menos de 10 anos no banco da frente,o não uso do cinto de segurança,capacetes irregulares,estado de conservação do veículo,comportamento do ciclista e do pedestre nas ruas e vias);
• ENTREGA DOS PRÊMIOS DO DETRAN;
• PREMIAÇÃO DOS CARRINHOS CONFECCIONADOS PELAS CRIANÇAS.
RECURSOS E/OU APLICATIVOS UTILIZADOS:
• INTERNET;
• BAFÔMETRO;
• CÂMERA DIGITAL;
• FILMADORA;
• MICROFONE;
• CAIXA DE SOM;
• BICICLETAS;
• CARROS;
• MOTO;
• CAVALETES PARA INTERDITAR A RUA;
RECURSOS HUMANO:
• DIREÇÃO;
• COORDENAÇÃO;
• PROFESSORES;
• ADMINISTRATIVOS;
• ALUNOS;
• AUTORIDADES CONVIDADAS.
PARTICIPAÇÕES ESPECIAIS:
GERENTE DA CIRETRAN DE IGUATEMI MS – ADILSON RALDI;
SUB-TENENTE - VENCESLAU FERNANDES;
SOLDADOS - EDSON DOS SANTOS SILVA E PAULO MARCOS ROSA DOS SANTOS.
CRONOGRAMA DE EXECUÇÃO:
• TODAS AS ATIVIDADES FORAM REALIZADAS EM SALA DE AULA,NO ADRO ESCOLAR, NA QUADRA DE ESPORTES E NA RUA EM FRENTE A ESCOLA.
AVALIAÇÃO
• DE ACORDO COM A PARTICIPAÇÃO, INTERESSE, DESENVOLTURA E SOCIALIZAÇÃO DE CADA PARTICIPANTE.
PROFESSORES REGENTES:
• JACKSON RODRIGO MORAIS DE SOUZA
• EMAIL: smrj1@hotmail.com
• BLOG: http://jacckson.blogspot.com/
• LUZIA DE FATIMA LAYOLA NUNES
• EMAIL: luzzia_layola@hotmail.com
• BLOG: http://llayolartes.blogspot.com/
• SAULO ABREU
• EMAIL: Saulo_dourados@hotmail.com
• ROSANA MONTOVANI
•EMAIL: Rosana.mantovani@uol.com
PROFESSORES COLABORADORES:
• ADELIR, ALENIR, ARACI, ÁUREA;
• CÂNDIDA, CELI, CLENI, DALVA;
• ELIANE, LÍDIA;
• MARIA CONCEIÇÃO, MAURÍCIO;
• REGIANE, REGINA, RITA.
• SOELI, SUZANA;
• VANILZA.
ÁREA DE CONHECIMENTO:
• ARTES;
• EDUCAÇÃO FÍSICA.
SÉRIE/ TURMA/ TURNO:
• DO 1º AO 9º ANO DO ENSINO FUNDAMENTAL ;
• DO PERIODO MATUTINO E VESPERTINO.
EQUIPE DE APOIO:
• PROFESSORES DA STE:
• JOICENIR SOVERNIGO LOPES;
EMAIL: joicelopes_17@hotmail.com
BLOG: http://artes-13.blogspot.com
• HECTOR ROGÉRIO MONZANI.
COORDENAÇÃO PEDAGÓGICA:
• ADAUTO ALVES TEIXEIRA;
• PAULO ZORZANELLO;
• WILSON FERRÉ.
DIREÇÃO:
• CECILIA WELTER LEDESMA
NÚMERO DE AULAS:
• 25 AULAS
PERIODO DE EXECUÇÃO:
•INÍCIO:18/09/2009
TÉRMINO: 25/09/2009
DURAÇÃO EM AULAS:
.20 HORAS
TOTAL DE PARTICIPANTES:
• 500 ALUNOS
TIPOS DE ATIVIDADES DESENVOLVIDAS:
• PALESTRAS;
• VÍDEO-CLIPE;
• PASSEIO EM FRENTE À ESCOLA ;
• SIMULAÇÕES DE SITUAÇÕES NO TRÂNSITO.
OBJETIVOS:
• EDUCAR E ORIENTAR PARA A FORMAÇÃO DE CRIANÇAS CONSCIENTES QUANTO AO SEU PAPEL COMO PEDESTRE E CICLISTA, SENDO MULTIPLICADORES DE INFORMAÇÕES AOS SEUS PAIS ENQUANTO MOTORISTAS.
DESCRIÇÃO DAS ATIVIDADES DESENVOLVIDAS:
• CONFECÇÕES DE CARRINHOS;
• PLACAS DE TRÂNSITO;
• SEMÁFARO;
• FAIXA DE SEGURANÇA;
• DESFILE COM OS CARRINHOS SEGUINDO AS LEIS DO TRÂNSITO;
• ESCOLHA DO CARRINHO MAIS CRIATIVO;
• PALESTRA COM O SARGENTO DA POLICIA MILITAR;
• DEMONSTRAÇÃO DO BAFÔMETRO;
• DEMONSTRAÇÃO DE ABORDAGEM DE VEÍCULO COM COMPORTAMENTO ERRADO COMO (motorista falando no celular,crianças com menos de 10 anos no banco da frente,o não uso do cinto de segurança,capacetes irregulares,estado de conservação do veículo,comportamento do ciclista e do pedestre nas ruas e vias);
• ENTREGA DOS PRÊMIOS DO DETRAN;
• PREMIAÇÃO DOS CARRINHOS CONFECCIONADOS PELAS CRIANÇAS.
RECURSOS E/OU APLICATIVOS UTILIZADOS:
• INTERNET;
• BAFÔMETRO;
• CÂMERA DIGITAL;
• FILMADORA;
• MICROFONE;
• CAIXA DE SOM;
• BICICLETAS;
• CARROS;
• MOTO;
• CAVALETES PARA INTERDITAR A RUA;
RECURSOS HUMANO:
• DIREÇÃO;
• COORDENAÇÃO;
• PROFESSORES;
• ADMINISTRATIVOS;
• ALUNOS;
• AUTORIDADES CONVIDADAS.
PARTICIPAÇÕES ESPECIAIS:
GERENTE DA CIRETRAN DE IGUATEMI MS – ADILSON RALDI;
SUB-TENENTE - VENCESLAU FERNANDES;
SOLDADOS - EDSON DOS SANTOS SILVA E PAULO MARCOS ROSA DOS SANTOS.
CRONOGRAMA DE EXECUÇÃO:
• TODAS AS ATIVIDADES FORAM REALIZADAS EM SALA DE AULA,NO ADRO ESCOLAR, NA QUADRA DE ESPORTES E NA RUA EM FRENTE A ESCOLA.
AVALIAÇÃO
• DE ACORDO COM A PARTICIPAÇÃO, INTERESSE, DESENVOLTURA E SOCIALIZAÇÃO DE CADA PARTICIPANTE.
SOL DE PRIMAVERA
´ Quando entrar setembro
E a boa nova entrar nos campos,
Quero ver brotar o perdão
Onde a gente plantou.
Juntos outra vez,
Já sonhamos juntos
Semeando as canções no vento,
Quero ver crescer nossa voz
No que falta sonhar.
Já choramos muito,
Muitos se perderam no caminho,
Mesmo assim não custa inventar
Uma nova canção.
Já choramos muito,
Muitos se perderam no caminho,
Mesmo assim não custa inventar
Uma nova canção...
Que venha nos trazer
Sol de primavera,
Abre as janelas do meu peito,
A lição sabemos de cor,
Só nos resta aprender.
Beto Guedes
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